Luego de las ediciones 2006 (Armando Discépolo) y 2007 (Carlos Somigliana), regresa este ciclo de teatro semimontado en homenaje a autores argentinos, en esta ocasión, dedicado a la obra de Roberto Arlt, que se ofrecerá con entrada libre y gratuita, los cuatro lunes de septiembre a las 20 en el Teatro del Pueblo (diagonal Roque Sáenz Peña 943), con el siguiente programa.
Lunes 7
Apertura. Cernadas Lamadrid expone sobre Roberto Arlt, su vida y su obra.
Aguafuertes porteñas. Actúan: Carlos Kaspar, Laura Azcurra, Nelson Rueda y Sebastián Holz, Dirección: Corina Fiorillo.
Lunes 14
La fiesta del hierro. Actúan: Agustín Labiaguerre, Cristian Pauluchi, Daniel Grbec, Federico Costantino, Hernán Melazzi, Ignacio Manes, Iván Balsa, Lisandro Fisk, Max Berliner y Melina Benítez. Dirección: Gladys Lizarazu.
Lunes 21
Saverio el cruel. Actúan: Carina Garber, Claudio Pazos, Coni Marino, Francisco Pesqueira, Gonzalo Morales, Juan Pablo Cappellotti, Luis Longhi, Miriam Martino, Paula Canals, Silvina Bosco y Stella Matute. Dirección: Carlo Argento.
Lunes 28
Trescientos millones. Actúan: Claudio Gallardou, Lucrecia Capello, Luis Campos, Paloma Contreras. Dirección: Rubens Correa.
Organizan este ciclo Luciano Linardi (quien es su creador), Héctor Oliboni, Teresa Jackiw y Fundación Somigliana.
domingo, agosto 30, 2009
viernes, agosto 28, 2009
teatro // Un hueco, de Juan Pablo Gómez
Quizás más asfixiante que vivir en una ciudad pequeña (o pueblo grande) de provincia sea la vida en el club social y deportivo de esa localidad, donde los vínculos ya existentes puertas afuera se concentran. Y mayor será el ahogo de estos tres jóvenes que se encierran en el vestuario del club durante el velorio de un amigo veinteñaero como ellos, porque el encuentro abrupto con la fragilidad de la vida vino a descubrirles la futilidad de las suyas.
Ahí están, atrapados en lo que han hecho de sí mismos: caricaturas de ganadores en escala pueblerina que del éxito han adquirido apenas un packaging que armaron con tics machistas, guiños de ganadores, el empuje casi prepotente de la juventud y las complicidades entendidas como fidelidad y pertenencia. Pero todo eso se derrumbó sobre sus cabezas con la muerte del amigo. Y con tanto escombro encima, es indispensable encontrar un hueco para respirar, para huir, para salvarse.
Con gran economía de recursos y un elenco de gran riqueza en su heterogeneidad (Alejandro Hener, Nahuel Cano y Patricio Aramburu), Juan Pablo Gómez expone desde la ironía aquello que pretende mostrarse como única tragedia de estos tiempos: el fracaso burgués, porque en un mundo sin dioses ni héroes se nos quiere aleccionar con el miedo al barato destierro del país del éxito. Pese a su terrible apariencia, ser expulsado de ahí no es más que el módico castigo a una módica existencia.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Un hueco en este link a Alternativa Teatral.
Ahí están, atrapados en lo que han hecho de sí mismos: caricaturas de ganadores en escala pueblerina que del éxito han adquirido apenas un packaging que armaron con tics machistas, guiños de ganadores, el empuje casi prepotente de la juventud y las complicidades entendidas como fidelidad y pertenencia. Pero todo eso se derrumbó sobre sus cabezas con la muerte del amigo. Y con tanto escombro encima, es indispensable encontrar un hueco para respirar, para huir, para salvarse.
Con gran economía de recursos y un elenco de gran riqueza en su heterogeneidad (Alejandro Hener, Nahuel Cano y Patricio Aramburu), Juan Pablo Gómez expone desde la ironía aquello que pretende mostrarse como única tragedia de estos tiempos: el fracaso burgués, porque en un mundo sin dioses ni héroes se nos quiere aleccionar con el miedo al barato destierro del país del éxito. Pese a su terrible apariencia, ser expulsado de ahí no es más que el módico castigo a una módica existencia.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Un hueco en este link a Alternativa Teatral.
miércoles, agosto 26, 2009
política y teatro // Los premios Trinidad Guevara, difamados desde la chismografía pero en el contexto del desesperado recorte presupuestario de Macri
Un gobernador no tiene más dinero porque dilapidó todo el presupuesto en obras de alta visibilidad y poca utilidad que le encargó a sus amigos y a sus parientes y en una campaña electoral en la que logró que el 70% del electorado le dijera que no acepta más su manera de gobernar (siguiendo el parámetro que él mismo usa para evaluar los resultados electorales ajenos). Ese gobernador tiene un socio político que cuenta, entre sus bienes, con acciones de un canal de televisión donde un sujeto idiotiza a su audiencia, manosea vidas privadas, se contradice, vulgariza y –dado el status de quien le da aire– también opera políticamente. Mera casualidad, una página de internet relacionada con el idiotizador de masas saca a la luz un listado que no es ningún secreto ni tampoco una novedad, declamando (como si la sensibilidad social fuese una virtud reconocible en él) que es un bochorno el dinero que se gasta en los premios Trinidad Guevara.
La noticia apareció en Primicias Ya. El idiotizador es Jorge Rial. Quien le da o le vende la pantalla, Francisco de Narváez. El gobernador, Mauricio Macri.
La misma nota que se pretende seria denuncia ofrece suficientes elementos que evidencian que no se trata de una investigación periodística, sino de una carpeta que “de casualidad” salió desde alguna repartición del gobierno porteño para caer en un escritorio de Primicias Ya: así lo indica que aparezcan los números de documentos de quienes cobran por este premio (un haber mensual que alcanza a ganadoras y ganadores de los rubros Mejor Dirección, Mejor Actriz Protagónica, Mejor Actor Protagónico, Trayectoria Femenina y Trayectoria Masculina, pero no del resto de los rubros) e incluso los nombres reales de los beneficiarios (que poco importan a quienes pueden leer con fruición una página de chismes del espectáculo, en los que vale el nombre artístico).
El estilo miserable, de títulos impactantes y contenidos manoseados, no es ninguna novedad.
La nota termina con una serie de chicanas en las que bien se reconoce el estilo de quienes solo se interesan por el escándalo y tienen en él su fuente de riquezas.
Tampoco ha de ser casualidad que la página Primicias Ya lance este tema pocos días antes de que Jorge Rial estrene su show (?) El ángel y demonio del espectáculo, pues desprestigiar a los pares (en este caso, artistas) es un método de quienes no tienen valor alguno para competir con ellos. Claro: al subirse a un escenario, Rial pasa a ser también un contendiente en la lucha por ganar público, y la mayor parte de las personas que cobran por el premio Trinidad Guevara cuyos nombres se dio a conocer en la citada nota son artistas que en este momento están trabajando en teatro.
Y así como es de desear alguna actitud que demuestre siquiera el malestar de las y los artistas a quienes se pretende ensuciar con la sospecha de cobrar algo indebido, también sería deseable que cuando levanten el teléfono y del otro lado se encuentren con la voz del productor Javier Faroni recuerden, al menos por unos segundos, que a ese empresario le da lo mismo llevar a un escenario una pieza teatral que a un divulgador de chismes que lesiona con sus palabras a la misma gente que sostiene una parte del teatro argentino con su cuerpo, su vida y su compromiso.
Mientras tanto, Macri y sus secuaces siguen pensando qué más recortar, suspender o saquear para llegar no ya al fin de su gestión en diciembre de 2011, sino para llegar a fin de año sin entrar en cesación de pagos. Y no ahorran método para lograrlo.
La noticia apareció en Primicias Ya. El idiotizador es Jorge Rial. Quien le da o le vende la pantalla, Francisco de Narváez. El gobernador, Mauricio Macri.
La misma nota que se pretende seria denuncia ofrece suficientes elementos que evidencian que no se trata de una investigación periodística, sino de una carpeta que “de casualidad” salió desde alguna repartición del gobierno porteño para caer en un escritorio de Primicias Ya: así lo indica que aparezcan los números de documentos de quienes cobran por este premio (un haber mensual que alcanza a ganadoras y ganadores de los rubros Mejor Dirección, Mejor Actriz Protagónica, Mejor Actor Protagónico, Trayectoria Femenina y Trayectoria Masculina, pero no del resto de los rubros) e incluso los nombres reales de los beneficiarios (que poco importan a quienes pueden leer con fruición una página de chismes del espectáculo, en los que vale el nombre artístico).
El estilo miserable, de títulos impactantes y contenidos manoseados, no es ninguna novedad.
Bochorno: premios que son subsidios de por vidaLuego reproduce una nómina que incluye solo algunas de las personas premiadas. Y viendo esa lista, lo primero que se me ocurre es pensar que esas personas –cuyos nombres están siendo usados para generar escándalo y malestar y de esa manera generar una opinión favorable a que ese dinero sea también saqueado por la desvergonzada administración macrista–, esas personas, decía, deberían negarse de por vida a dar entrevistas o declaraciones o tener trato alguno con quienes han manoseado sus nombres. Sería poco digno mañana ver que esas mismas personas estén promocionando un estreno ante las cámaras, por ejemplo, del programa Intrusos.
* El Diario del Espectáculo tuvo acceso al listado de artistas beneficiados con subsidios que se disfrazan de premios.
* ¿Qué significa esto? Que los ganadores de galardones como los reconocidos Trinidad Guevara no se quedan sólo con la codiciada estatuilla sino que también con una importante suma de dinero que cobraran de por vida.
Un merecido reconocimiento pero un inexplicable subsidio que es inalcanzable para la gente común y que se destina a personajes muchas veces famosos y con ingresos que hacen que la aceptación de estas sumas sean poco menos que bochornosas.
Repasar esta lista da un poco de vergüenza en un momento donde los índices de pobreza trepan a cifras que dan miedo. Y más pena da que muchos de los que figuran en el listado muchísimas veces alzan su voz a favor de los que menos tienen. Que no son precisamente ellos. Los premios son necesarios. Los subsidios no.
Es una situación de privilegio que no sólo es inaceptable sino que le supone al Gobierno de la Ciudad una erogación anual de 15.526.890 pesos. Se podrían poner esta cifra al servicio de fines más importantes. Cada uno de nuestros lectores se le ocurrirá uno que pueda ayudar a los que menos tienen. Una práctica que se lleva a cabo desde hace años y que pasa desapercibida detrás de un premio o un estimulo a las artes.
La nota termina con una serie de chicanas en las que bien se reconoce el estilo de quienes solo se interesan por el escándalo y tienen en él su fuente de riquezas.
Los premios son importantes y un reconocimiento a cada trabajo y trayectoria. Lo que no se entiende por qué cada habitante de la ciudad de Buenos Aires debe sacar de su bolsillo el dinero necesario para que estos artistas, muchos de ellos autodenominados populares y progresistas, tengan una especie de jubilación de privilegio.Cambalache
Una situación que, creemos, debe ser estudiada y revertida con urgencia. Esos 15 millones de pesos anuales pueden ser derivados a destinatarios más necesitados y que, muchas veces, ni quiera pueden disfrutar de los trabajos de los beneficiados por esta ordenanza que suena a un cachetazo en los tiempos que corren.
Tampoco ha de ser casualidad que la página Primicias Ya lance este tema pocos días antes de que Jorge Rial estrene su show (?) El ángel y demonio del espectáculo, pues desprestigiar a los pares (en este caso, artistas) es un método de quienes no tienen valor alguno para competir con ellos. Claro: al subirse a un escenario, Rial pasa a ser también un contendiente en la lucha por ganar público, y la mayor parte de las personas que cobran por el premio Trinidad Guevara cuyos nombres se dio a conocer en la citada nota son artistas que en este momento están trabajando en teatro.
Y así como es de desear alguna actitud que demuestre siquiera el malestar de las y los artistas a quienes se pretende ensuciar con la sospecha de cobrar algo indebido, también sería deseable que cuando levanten el teléfono y del otro lado se encuentren con la voz del productor Javier Faroni recuerden, al menos por unos segundos, que a ese empresario le da lo mismo llevar a un escenario una pieza teatral que a un divulgador de chismes que lesiona con sus palabras a la misma gente que sostiene una parte del teatro argentino con su cuerpo, su vida y su compromiso.
Mientras tanto, Macri y sus secuaces siguen pensando qué más recortar, suspender o saquear para llegar no ya al fin de su gestión en diciembre de 2011, sino para llegar a fin de año sin entrar en cesación de pagos. Y no ahorran método para lograrlo.
lunes, agosto 24, 2009
teatro // La mente en blanco, de Juan Barberini
Un hombre con un cabestrillo intenta atender a su cuñada que se va, contener a su hermano que acaba de recibirse de separado aunque no quiera ni pueda creerlo, convencer a su hermana para que salga del baño, y elaborar que su madre –ahora internada– había planeado matar a sus tres hijos tras su tardío debut en un teatro de Comodoro Rivadavia. Además de las cuestiones legales que nunca faltan en una familia, el dolor por la herida por la bala materna y el viento, siempre el viento empujando todo a su antojo.
Con personajes claramente delineados, una trama bien desarrollada y un excelente uso del espacio, La mente en blanco es uno de esos trabajos que nos vienen a recordar que en las márgenes de la escena porteña, sin estridencias de prensa ni canonizaciones académicas, están despertando búsquedas sin más pretensión que ofrecer teatro. ¡Y no es poco!
Consciente de esa potencialidad, Juan Barberini ha capitalizado para bien de esta puesta todo lo que podría habérsele planteado como debilidad o limitación. Además, tiene a su lado un elenco al que se ve muy cómodo en sus respectivos roles, aunque esto no significa que les estemos viendo reiterar en escena su cotidianeidad (lo que pasa demasiado a menudo en nuestro teatro alternativo): son Claudio Rangnau, Guillermo Giusto, Lucrecia Oviedo y la siempre sorprendente y eficaz Cecilia Blanco.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de La mente en blanco en este link a Alternativa Teatral.
Con personajes claramente delineados, una trama bien desarrollada y un excelente uso del espacio, La mente en blanco es uno de esos trabajos que nos vienen a recordar que en las márgenes de la escena porteña, sin estridencias de prensa ni canonizaciones académicas, están despertando búsquedas sin más pretensión que ofrecer teatro. ¡Y no es poco!
Consciente de esa potencialidad, Juan Barberini ha capitalizado para bien de esta puesta todo lo que podría habérsele planteado como debilidad o limitación. Además, tiene a su lado un elenco al que se ve muy cómodo en sus respectivos roles, aunque esto no significa que les estemos viendo reiterar en escena su cotidianeidad (lo que pasa demasiado a menudo en nuestro teatro alternativo): son Claudio Rangnau, Guillermo Giusto, Lucrecia Oviedo y la siempre sorprendente y eficaz Cecilia Blanco.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de La mente en blanco en este link a Alternativa Teatral.
viernes, agosto 21, 2009
teatro // Iago. Escena para un crimen, de Edgardo Dib y Margó Menéndez
Iago nos invita a la escena que mejor ha montado y que, pese a planearla para su provecho, solo le ha valido como infierno personal. Cicerone de su propio pasado, evita distraernos con lo que considera superfluo: un catre y una lámpara de escritorio serán todos sus recursos materiales, y le alcanza con el inadvertido Casio, la ingenua Desdémona y ese Otelo con sus aires de protagonista aun estando en narración ajena.
Pero aunque nadie haya cambiado su nombre ni los atributos de género que le corresponden desde que Shakespeare los ideó, nos encontramos aquí con cuatro mujeres. Y no es que esta audaz y lograda propuesta escrita por Edgardo Dib y Margó Menéndez se valga de Otelo para exponer defectos femeninos, sino que toma lo peor de lo que el imaginario le atribuye a la mujer (envidias, celos, engaños, caprichos) para exhibir seductoramente un relato pleno de sombras que nada saben de géneros.
Un aparte merece la iluminación: Erica Spósito, la actriz que interpreta a Iago, es quien se encarga de esa tarea en escena sin más técnica que andar con la ya nombrada lámpara de escritorio en mano. Honesta elección, pues así evidencia que es el mismo protagonista quien impone la subjetividad de su mirada en la construcción de esta historia, haciendo foco en los hilos de la trama que son de su interés.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Iago. Escena para un crimen en este link a Alternativa Teatral.
Pero aunque nadie haya cambiado su nombre ni los atributos de género que le corresponden desde que Shakespeare los ideó, nos encontramos aquí con cuatro mujeres. Y no es que esta audaz y lograda propuesta escrita por Edgardo Dib y Margó Menéndez se valga de Otelo para exponer defectos femeninos, sino que toma lo peor de lo que el imaginario le atribuye a la mujer (envidias, celos, engaños, caprichos) para exhibir seductoramente un relato pleno de sombras que nada saben de géneros.
Un aparte merece la iluminación: Erica Spósito, la actriz que interpreta a Iago, es quien se encarga de esa tarea en escena sin más técnica que andar con la ya nombrada lámpara de escritorio en mano. Honesta elección, pues así evidencia que es el mismo protagonista quien impone la subjetividad de su mirada en la construcción de esta historia, haciendo foco en los hilos de la trama que son de su interés.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Iago. Escena para un crimen en este link a Alternativa Teatral.
martes, agosto 18, 2009
teatro // ¿Quién se atreverá a condenarme?, de Mirta Bogdasarian
Están en su propio cosmos. Ella parece tener toda la convicción necesaria para sostener su orden, y él, la imaginación para crearlo. Ella afirma; él da forma. Si hay un tercero entre ambos, es la belleza. Lo que exista más allá –populacho, ignorantes o vanguardistas– poco importa. El poeta se llama Jorge Luis; ella es Leonor, su madre.
En esa particularísima relación nos hace entrar Mirta Bogdasarian (dramaturga y directora) para ofrecernos, casi distraídamente, una ventana a las poesías de Borges, a las que con buen tino hace aparecer recreando los posibles mágicos momentos en que fueron creadas.
Este trabajo cuenta con las interesantes actuaciones de Jorge Agustín Romero y Micaela Rey, dos muy jóvenes intérpretes que manejan con absoluta naturalidad la energía y la vitalidad de sus propios cuerpos, lozanos y de similar edad, sin que eso sea óbice para verlos en escena como una madre casi anciana y un hijo adulto. Quizás esto se deba a que, al crear y llevar a escena esta ficción, Bogdasarian ha hecho tanto hincapié en lo poético que lo verosímil apenas resulta de interés. Y para quien quiera buscar otras líneas de abordaje, hay aquí un sinfín de referencias al universo borgeano, apenas sugeridas, para deleite de quien las encuentra pero sin dejar afuera a quien las desconoce.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de ¿Quién se atreverá a condenarme? en este link a Alternativa Teatral.
En esa particularísima relación nos hace entrar Mirta Bogdasarian (dramaturga y directora) para ofrecernos, casi distraídamente, una ventana a las poesías de Borges, a las que con buen tino hace aparecer recreando los posibles mágicos momentos en que fueron creadas.
Este trabajo cuenta con las interesantes actuaciones de Jorge Agustín Romero y Micaela Rey, dos muy jóvenes intérpretes que manejan con absoluta naturalidad la energía y la vitalidad de sus propios cuerpos, lozanos y de similar edad, sin que eso sea óbice para verlos en escena como una madre casi anciana y un hijo adulto. Quizás esto se deba a que, al crear y llevar a escena esta ficción, Bogdasarian ha hecho tanto hincapié en lo poético que lo verosímil apenas resulta de interés. Y para quien quiera buscar otras líneas de abordaje, hay aquí un sinfín de referencias al universo borgeano, apenas sugeridas, para deleite de quien las encuentra pero sin dejar afuera a quien las desconoce.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de ¿Quién se atreverá a condenarme? en este link a Alternativa Teatral.
sábado, agosto 15, 2009
festivales // Festival de Teatro Rafaela 2009: programación oficial por día
La siguiente es la programación oficial del Festival de Teatro Rafaela 2009, que tendrá lugar en esa ciudad santafesina del miércoles 2 al domingo 6 de septiembre próximos, tras su postergación ocasionada por la paranoia gripal.
Las indicadas son las funciones oficiales, pero de algunos espectáculos (aquí señalados con un asterisco) se han programan otras funciones.
Miércoles 2
18:30: acto de apertura (Teatro Lasserre)
19:00: Rutilantes, de Alejandro Viola. Los Amados. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Teatro Lasserre.
21:30: Chiquito, de Luis Cano. Buenos Aires. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
23:00: Hube amado*, de Gustavo Mondino y María Eugenia Meyer. La Máscara. Rafaela. Estreno Coproducción FTR09. En el Centro Cultural La Máscara.
Jueves 3
19:00: Un hipo desafinado*, de Mariana Trajtenberg. El Nudo Compañía Teatral. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana
20:00: Un poyo rojo, de Rosso, Gaido y Poggi. Buenos Aires. En el Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Urbano Poggi. Con entrada libre y gratuita.
21:30: Crónicas de un comediante, de Manuel Santos Iñurrieta. El Bachín Teatro. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Teatro Lasserre.
23.00: Reflejos, de Matías Feldman. Buenos Aires. En el Centro Cultural La Máscara.
Viernes 4
18:00: Inventemos el viento*, de Elena Guillen, María Celia Fernández y Andrea Montoya. Títeres Sotavento. Rosario. En el SUM del Barrio Barranquitas. Con entrada libre y gratuita.
20:00: Atacar, de Santiago Alassia. Grupo En Alaska. Rafaela. Estreno Coproducción FTR09. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
21:30: Tualet, de Juan Onofri Barbato. Grupo JOB. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Teatro Lasserre
23:00: W Invasión Extraterrestre (La destrucción de Córdoba)*, de Gonzalo Marull y Emanuel Rodríguez. Córdoba. En el Centro Cultural La Máscara.
Sábado 5
17:00: Lustro*, de Lucas Caballero, Guillermo De Blas y Santiago Culacciati. Grupo La Patera Teatro. Luján. En la Plaza Sargento Cabral. Barrio Pizzurno. Con entrada libre y gratuita.
18:00: deSastre, de José Luis de la Fuente. Cirulaxia Contra Ataca. Córdoba. En el Teatro Lasserre.
21:30: La temperatura*, de Gustavo Guirado. Rosario. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
23:00: Edipo R*, de Luciano Delprato. Organización Q. Córdoba. En el Centro Cultural La Máscara.
Domingo 6
17:00: Viva el canguro*, de Laura Devetach. Los hijos del Pepenador. Rafaela. Estreno Coproducción FTR09. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
18:30: De hombre a hombre*, de Mariano Moro. Compañía Los del Verso. Buenos Aires. En el Centro Cultural La Máscara.
20:00: Tango turco, de Rafael Bruza. Teatro Nacional Cervantes. Buenos Aires. Plan Federal de Giras del Teatro Cervantes. En el Teatro Lasserre.
22:00: acto de cierre. Kutumpra. Urraka. Buenos Aires. En el Cine Teatro Belgrano. Con entrada libre y gratuita.
Si querés saber más sobre el Festival de Teatro Rafaela 2009, hacé clic acá (pero recordá que las fechas que aparecen en esa nota son las originalmente programadas).
Las indicadas son las funciones oficiales, pero de algunos espectáculos (aquí señalados con un asterisco) se han programan otras funciones.
Miércoles 2
18:30: acto de apertura (Teatro Lasserre)
19:00: Rutilantes, de Alejandro Viola. Los Amados. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Teatro Lasserre.
21:30: Chiquito, de Luis Cano. Buenos Aires. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
23:00: Hube amado*, de Gustavo Mondino y María Eugenia Meyer. La Máscara. Rafaela. Estreno Coproducción FTR09. En el Centro Cultural La Máscara.
Jueves 3
19:00: Un hipo desafinado*, de Mariana Trajtenberg. El Nudo Compañía Teatral. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana
20:00: Un poyo rojo, de Rosso, Gaido y Poggi. Buenos Aires. En el Museo Municipal de Bellas Artes Dr. Urbano Poggi. Con entrada libre y gratuita.
21:30: Crónicas de un comediante, de Manuel Santos Iñurrieta. El Bachín Teatro. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Teatro Lasserre.
23.00: Reflejos, de Matías Feldman. Buenos Aires. En el Centro Cultural La Máscara.
Viernes 4
18:00: Inventemos el viento*, de Elena Guillen, María Celia Fernández y Andrea Montoya. Títeres Sotavento. Rosario. En el SUM del Barrio Barranquitas. Con entrada libre y gratuita.
20:00: Atacar, de Santiago Alassia. Grupo En Alaska. Rafaela. Estreno Coproducción FTR09. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
21:30: Tualet, de Juan Onofri Barbato. Grupo JOB. Buenos Aires. Programa INT Presenta. En el Teatro Lasserre
23:00: W Invasión Extraterrestre (La destrucción de Córdoba)*, de Gonzalo Marull y Emanuel Rodríguez. Córdoba. En el Centro Cultural La Máscara.
Sábado 5
17:00: Lustro*, de Lucas Caballero, Guillermo De Blas y Santiago Culacciati. Grupo La Patera Teatro. Luján. En la Plaza Sargento Cabral. Barrio Pizzurno. Con entrada libre y gratuita.
18:00: deSastre, de José Luis de la Fuente. Cirulaxia Contra Ataca. Córdoba. En el Teatro Lasserre.
21:30: La temperatura*, de Gustavo Guirado. Rosario. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
23:00: Edipo R*, de Luciano Delprato. Organización Q. Córdoba. En el Centro Cultural La Máscara.
Domingo 6
17:00: Viva el canguro*, de Laura Devetach. Los hijos del Pepenador. Rafaela. Estreno Coproducción FTR09. En el Centro Cultural Municipal, sala Sociedad Italiana.
18:30: De hombre a hombre*, de Mariano Moro. Compañía Los del Verso. Buenos Aires. En el Centro Cultural La Máscara.
20:00: Tango turco, de Rafael Bruza. Teatro Nacional Cervantes. Buenos Aires. Plan Federal de Giras del Teatro Cervantes. En el Teatro Lasserre.
22:00: acto de cierre. Kutumpra. Urraka. Buenos Aires. En el Cine Teatro Belgrano. Con entrada libre y gratuita.
Si querés saber más sobre el Festival de Teatro Rafaela 2009, hacé clic acá (pero recordá que las fechas que aparecen en esa nota son las originalmente programadas).
miércoles, agosto 12, 2009
premios // Se entregaron los Premios a la Labor Teatral Trinidad Guevara del año 2008
Ayer, martes 11 a las 19, en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura, se entregaron los premios Trinidad Guevara correspondientes al año 2008. Un acto realizado con atraso gracias a la gripe A(H1N1) y a las dificultades propias de una administración que entorpece todo lo que no sea negocio.
La siguiente es la nómina completa de ganadoras y ganadores.
Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux (Dolor exquisito).
Coreografía: Carlos Trunsky (Saña).
Partitura o banda de sonido: Patricia Casares (Stéfano).
Creatividad en diseño de vestuario: Mariana Ron (Adela está cazando patos).
Creatividad escenográfica: Gabriela Fernández (Cariño Yacaré).
Autora: Maruja Bustamante (Adela está cazando patos).
Revelación masculina: Marcelo Mininno (Lote 77).
Revelación femenina: Rocío Domínguez (Las mujeres de los nazis).
Actuación masculina de reparto: Juan Manuel Tenuta (Solas).
Actuación femenina de reparto: Lidia Catalano (Otros tiempos de vivir).
Producción teatral privada: Teatro Anfitrión.
Dirección: Guillermo Cacace (Stéfano).
Actuación protagónica masculina: Raúl Ramos (Stéfano).
Actuación protagónica femenina: Beatriz Spelzini (Rose).
Trayectoria masculina: Juan Carlos Puppo.
Trayectoria femenina: Hilda Bernard.
Si querés recordar cómo fueron las ternas de estos premios (excepto los dos premios a la trayectoria, que son de elección directa) y la conformación del jurado, hacé click acá.
La siguiente es la nómina completa de ganadoras y ganadores.
Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux (Dolor exquisito).
Coreografía: Carlos Trunsky (Saña).
Partitura o banda de sonido: Patricia Casares (Stéfano).
Creatividad en diseño de vestuario: Mariana Ron (Adela está cazando patos).
Creatividad escenográfica: Gabriela Fernández (Cariño Yacaré).
Autora: Maruja Bustamante (Adela está cazando patos).
Revelación masculina: Marcelo Mininno (Lote 77).
Revelación femenina: Rocío Domínguez (Las mujeres de los nazis).
Actuación masculina de reparto: Juan Manuel Tenuta (Solas).
Actuación femenina de reparto: Lidia Catalano (Otros tiempos de vivir).
Producción teatral privada: Teatro Anfitrión.
Dirección: Guillermo Cacace (Stéfano).
Actuación protagónica masculina: Raúl Ramos (Stéfano).
Actuación protagónica femenina: Beatriz Spelzini (Rose).
Trayectoria masculina: Juan Carlos Puppo.
Trayectoria femenina: Hilda Bernard.
Si querés recordar cómo fueron las ternas de estos premios (excepto los dos premios a la trayectoria, que son de elección directa) y la conformación del jurado, hacé click acá.
lunes, agosto 10, 2009
convocatorias // Llamado a concurso público para la renovación del directorio artístico de Proteatro (2009-2011)
Y siguiendo la misma línea que en la entrada de ayer, no hay que olvidar que también está abierta la convocatoria al concurso público de antecedentes y oposición para ocupar el directorio artístico de Proteatro en el período 2009-2011. La inscripción cierra el 2 de septiembre, y podés acceder a la información al respecto haciendo click en este link.
domingo, agosto 09, 2009
convocatorias // Selección de representantes provinciales del INT
Es bien sabido que la mejor manera de evitar que personas mediocres, chantas, carentes de criterio o lisa y llanamente deshonestas ocupen cargos públicos es que la gente capaz, seria, criteriosa y honesta se postule para ocupar esos mismos cargos cuando la ley manda que se los designe por concurso público de antecedentes y oposición. Y hasta el 15 de septiembre está abierta la inscripción para quienes se postulen a representantes provinciales del Instituto Nacional del Teatro de cuatro distritos: la Ciudad Autónoma de Buenos Aires y las provincias de Santa Fe, Jujuy y Santiago del Estero.
El autor de este blog desea fervientemente que haya una gran cantidad de personas que se postulen a ese cargo en la Ciudad de Buenos Aires, lo que permitirá darle aun más transparencia a la elección y más legitimidad a la futura gestión de quien acceda finalmente a ese cargo. Y cree que fácilmente podrían ser decenas o cientos las y los postulantes, creencia basada en cifras y no solo en anhelos: si apenas el 10% de quienes llevan años puteando contra la gestión de Pablo Bontá al frente de la Representación Capital se postulare, deberían llover carpetas de antecedentes en las oficinas de la avenida Santa Fe 1243.
El autor de este blog promete también que a partir del año que viene, cuando cualquier persona vinculada al quehacer teatral porteño se le acerque para putear la gestión del nuevo o la nueva representante local del INT, primero le preguntará a esa persona si se postuló o no para ese cargo. Porque putear, puteamos todos, pero poner el cuerpo suele ser algo que hace poca gente. Y así estamos.
Para más datos sobre esta convocatoria, hacé click en este link hacia la página del INT.
El autor de este blog desea fervientemente que haya una gran cantidad de personas que se postulen a ese cargo en la Ciudad de Buenos Aires, lo que permitirá darle aun más transparencia a la elección y más legitimidad a la futura gestión de quien acceda finalmente a ese cargo. Y cree que fácilmente podrían ser decenas o cientos las y los postulantes, creencia basada en cifras y no solo en anhelos: si apenas el 10% de quienes llevan años puteando contra la gestión de Pablo Bontá al frente de la Representación Capital se postulare, deberían llover carpetas de antecedentes en las oficinas de la avenida Santa Fe 1243.
El autor de este blog promete también que a partir del año que viene, cuando cualquier persona vinculada al quehacer teatral porteño se le acerque para putear la gestión del nuevo o la nueva representante local del INT, primero le preguntará a esa persona si se postuló o no para ese cargo. Porque putear, puteamos todos, pero poner el cuerpo suele ser algo que hace poca gente. Y así estamos.
Para más datos sobre esta convocatoria, hacé click en este link hacia la página del INT.
viernes, agosto 07, 2009
convocatorias // Selección para la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires 2009
Tempranísima convocatoria a participar de la selección para la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires 2009. También poco decorosa, porque quien convoca es el cuestionadísimo Pablo Bontá, el enmarañador de la selección para la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires 2008 que salió apenas reprendido con sesenta días de suspensión en sus funciones, a las que ha retornado ya hace largo rato.
Con la indudable intención de que la selección de este año sea hecha con transparencia y honestidad, el Consejo de Dirección del INT aprobó algunas correcciones del Reglamento para las Selecciones Provinciales 2009 y Fiesta Nacional del Bicentenario 2010 para ser aplicadas a la Fiesta de la Ciudad de Buenos Aires 2009. El mecanismo de selección ha sido modificado de la siguiente manera: “Para la pre-selección de la Fiesta CABA 2009 se designarán nueve jurados divididos en tres ternas integradas por los jurados de la Región Centro del INT y por reconocidas personalidades teatrales de la ciudad. La integración de estas ternas podrán ser aportadas por la Comisión Organizadora (N. del R.: el mismo Pablo Bontá, Paulo Ricci como representante de Artei y Alberto Félix Alberto como representante de la Fundación Teatro del Sur) al Consejo de Dirección del INT para su posterior aprobación. Los espectáculos inscriptos serán divididos en tres grupos por la Comisión Organizadora. Cada terna tendrá a su cargo la evaluación, por carpeta y dvd, de uno de estos grupos y seleccionará cuatro espectáculos para participar de la selección final y un suplente, para el caso de ser necesario. De esta manera, se obtienen los doce espectáculos que participarán de la selección final con actuación en vivo del 25 al 29 de noviembre de 2009. De estos doce espectáculos, un jurado integrado por una reconocida personalidad teatral de la ciudad y por los jurados de la Región Centro del INT seleccionarán tres espectáculos para representar a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en la Fiesta Nacional del Bicentenario 2010” (agregado al artículo 18).
El Consejo de Dirección resolvió también, atendiendo la propuesta acercada por la Comisión Organizadora, aprobar la composición del jurado de la pre-selección por carpeta y video de la Fiesta CABA compuesto por tres ternas:
terna A: Román Caracciolo (jurado Región Centro del INT), Andrés Binetti (dramaturgo) y Alejandro Leroux (diseñador de luces);
terna B: Carlos Weber (jurado Región Centro del INT), Román Podolsky (director) y Alejandro Mateo (escenógrafo);
terna C: Germán Rodríguez (actor), Susana Torres Molina (dramaturga) y Cora Roca (investigadora).
Aclaradas las modificaciones, vamos al texto enviado por el INT Capital que da cuenta de la convocatoria.
La Representación Capital del Instituto Nacional del Teatro convoca a elencos de las siguientes disciplinas teatrales: teatro, títeres, mimo, teatro callejero, teatro Danza y teatro para niños, a participar de la selección para la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires a realizarse del 25 al 29 de noviembre de 2009. Las obras deben haberse estrenado en la Ciudad de Buenos Aires durante 2008 ó 2009 y no pueden haberse presentado en convocatorias anteriores de este evento.
Informes y recepción del material del 10 al 28 de agosto de 2009 en la Representación Capital del INT, Av. Pueyrredón 768, 4º A; teléfonos: 4962-8231/2392.
Horario de atención: lunes a viernes de 14 a 18.
Reglamento y formulario Anexo I solicitándolo a capital@inteatro.gov.ar
Los elencos participantes de la selección deberán acompañar al momento de la inscripción una carpeta con:
1) formulario Anexo I;
2) video de la obra (video/dvd, cámara fija, sin editar);
3) resumen de la obra;
4) historia del elenco y/o antecedentes de sus integrantes;
5) fotos color de la obra: originales (no fotocopias) o en formato digital (jpg a 300 dpi) y programa de mano;
6) necesidades técnicas (planta de luces, sonido, necesidades escenográficas);
7) material de utilidad para la difusión del espectáculo;
8) autorización de Argentores escrita por el autor, previendo que dicha autorización permita, eventualmente, su presentación en la XXIII Fiesta Nacional.
Se seleccionarán doce elencos para participar de la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires que se realizará del 25 al 29 de noviembre en salas de Capital Federal. De esos doce elencos resultarán elegidos tres que representarán a la Ciudad de Buenos Aires en la XXV Fiesta Nacional del Teatro 2010.
Pablo Bontá
Representante Regional – Región Centro
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Instituto Nacional del Teatro
Con la indudable intención de que la selección de este año sea hecha con transparencia y honestidad, el Consejo de Dirección del INT aprobó algunas correcciones del Reglamento para las Selecciones Provinciales 2009 y Fiesta Nacional del Bicentenario 2010 para ser aplicadas a la Fiesta de la Ciudad de Buenos Aires 2009. El mecanismo de selección ha sido modificado de la siguiente manera: “Para la pre-selección de la Fiesta CABA 2009 se designarán nueve jurados divididos en tres ternas integradas por los jurados de la Región Centro del INT y por reconocidas personalidades teatrales de la ciudad. La integración de estas ternas podrán ser aportadas por la Comisión Organizadora (N. del R.: el mismo Pablo Bontá, Paulo Ricci como representante de Artei y Alberto Félix Alberto como representante de la Fundación Teatro del Sur) al Consejo de Dirección del INT para su posterior aprobación. Los espectáculos inscriptos serán divididos en tres grupos por la Comisión Organizadora. Cada terna tendrá a su cargo la evaluación, por carpeta y dvd, de uno de estos grupos y seleccionará cuatro espectáculos para participar de la selección final y un suplente, para el caso de ser necesario. De esta manera, se obtienen los doce espectáculos que participarán de la selección final con actuación en vivo del 25 al 29 de noviembre de 2009. De estos doce espectáculos, un jurado integrado por una reconocida personalidad teatral de la ciudad y por los jurados de la Región Centro del INT seleccionarán tres espectáculos para representar a la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en la Fiesta Nacional del Bicentenario 2010” (agregado al artículo 18).
El Consejo de Dirección resolvió también, atendiendo la propuesta acercada por la Comisión Organizadora, aprobar la composición del jurado de la pre-selección por carpeta y video de la Fiesta CABA compuesto por tres ternas:
terna A: Román Caracciolo (jurado Región Centro del INT), Andrés Binetti (dramaturgo) y Alejandro Leroux (diseñador de luces);
terna B: Carlos Weber (jurado Región Centro del INT), Román Podolsky (director) y Alejandro Mateo (escenógrafo);
terna C: Germán Rodríguez (actor), Susana Torres Molina (dramaturga) y Cora Roca (investigadora).
Aclaradas las modificaciones, vamos al texto enviado por el INT Capital que da cuenta de la convocatoria.
La Representación Capital del Instituto Nacional del Teatro convoca a elencos de las siguientes disciplinas teatrales: teatro, títeres, mimo, teatro callejero, teatro Danza y teatro para niños, a participar de la selección para la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires a realizarse del 25 al 29 de noviembre de 2009. Las obras deben haberse estrenado en la Ciudad de Buenos Aires durante 2008 ó 2009 y no pueden haberse presentado en convocatorias anteriores de este evento.
Informes y recepción del material del 10 al 28 de agosto de 2009 en la Representación Capital del INT, Av. Pueyrredón 768, 4º A; teléfonos: 4962-8231/2392.
Horario de atención: lunes a viernes de 14 a 18.
Reglamento y formulario Anexo I solicitándolo a capital@inteatro.gov.ar
Los elencos participantes de la selección deberán acompañar al momento de la inscripción una carpeta con:
1) formulario Anexo I;
2) video de la obra (video/dvd, cámara fija, sin editar);
3) resumen de la obra;
4) historia del elenco y/o antecedentes de sus integrantes;
5) fotos color de la obra: originales (no fotocopias) o en formato digital (jpg a 300 dpi) y programa de mano;
6) necesidades técnicas (planta de luces, sonido, necesidades escenográficas);
7) material de utilidad para la difusión del espectáculo;
8) autorización de Argentores escrita por el autor, previendo que dicha autorización permita, eventualmente, su presentación en la XXIII Fiesta Nacional.
Se seleccionarán doce elencos para participar de la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires que se realizará del 25 al 29 de noviembre en salas de Capital Federal. De esos doce elencos resultarán elegidos tres que representarán a la Ciudad de Buenos Aires en la XXV Fiesta Nacional del Teatro 2010.
Pablo Bontá
Representante Regional – Región Centro
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Instituto Nacional del Teatro
miércoles, agosto 05, 2009
espacios teatrales // El Brío, y sus dos espectáculos inaugurales: Nuestros padres y La Venus de las pieles
Palermo no es solamente torres para nuevos ricos (o aspirantes a parecerlo) y restós en los que pasar hambre sale carísimo. Todavía, y pese a los embates de los negocios, Palermo también es algún sencillo ph, casonas y fondas que, en muchos casos, más que persistir, resisten. Es asimismo uno de los principales circuitos del teatro independiente que, si bien más disperso geográficamente y menos profuso que su par del Abasto, sigue expandiéndose en nuevas salas. Empresa admirable la de abrir un teatro, pues la maquinaria perversa de habilitaciones e inspecciones del Gobierno de la Ciudad se está haciendo un festín gracias a exigencias apenas útiles para lograr recaudación (léase coimas), mientras que al respecto, el ministro de Cultura porteño, Hernán Lombardi, el que siempre habla de su corazoncito teatrero, pretende aparecer como víctima de un sistema al que presenta como ajeno al poder de cambio que prometía tener la gestión macrista.
Pese a lo desalentador de ambas burocracias (la legal y la otra), Claudio Quinteros y Nayla Posse inauguraron el mes pasado El Brío, una sala en Guatemala 5092 (casi esquina Oro), con dos espectáculos de elaboración propia: Nuestros padres y La Venus de las pieles.
Tras sortear las veredas rotas que desde enero no ha terminado de embellecer el Gobierno de la Ciudad, El Brío abre sus puertas como un oasis de sencillez y calma. Allí charlamos con los dueños de casa.
Claudio Quinteros inició su formación actoral con Alejandra Boero. A esa experiencia se le sumó la de “hacer” un teatro: Andamio 90. “Ahí viví como normal algo que no es muy normal: construir una sala entre todos, investigar, ensayar, limpiar baños, atender la boletería, ser acomodador”. Luego pasó por Agustín Alezzo, y finalmente la carrera de Pedagogía de la entonces Escuela Nacional de Arte Dramático, “que me sirvió mucho para preguntarme muchas cosas, es decir, fue muy interesante por lo que me pasó a mí, pero tenía que hacer un rescate permanente del motivo por el que estaba; es siempre difícil el vínculo entre el arte y las instituciones, porque muchas veces lo institucional te invita a quedarte dormido, excepto cuando te topás con docentes bien predispuestos a reflexionar”.
Por su parte, Nayla Posse se formó como actriz en la última camada de la ENAD (de donde rescata especialmente a Rubén Ramos y la apertura que le brindó a lo poético, y a Silvina Sabater), y estudió dramaturgia con Daniel Veronese y Alejandro Tantanian, además de reconocer el aprendizaje que implica involucrarse en la necesidad que fuere de cada proyecto, de manera que la asistencia tanto en producción como en dirección e incluso el trabajo de prensa y difusión no le han sido ajenos.
Claudio ya había tenido una sala teatral, El Hormiguero, donde hizo sus primeras experiencias como director. Luego tuvo un estudio y –ya junto a Nayla–, terminado el contrato de alquiler, la búsqueda de un nuevo espacio para seguir desarrollando la labor docente se sumó al deseo de volver a tener una sala propia. Lo cuenta así: “Estábamos ensayando La Venus de las pieles en 2007 y empezó a aparecer la idea de tener un espacio para investigar con los tiempos que necesita un material para madurar más allá del número de ensayos preestablecido, donde puedas plantear cambios y probar cosas nuevas. A poco de estrenar seguíamos viendo cosas para modificar de la puesta que implicaban reformular cuestiones espaciales, escenográficas y técnicas”. Nayla completa la idea: “Esas ganas de investigar le ganaron a la conflictiva social que significa inaugurar una sala de teatro independiente hoy, en Buenos Aires, ¡y encima atravesados por la gripe porcina! Por supuesto que lo que indica la ley en cuanto a requisitos significa un cuidado para la gente del entorno (aunque algunas ya parecen demasiado), pero que te pidan coimas con la misma soltura con que te piden que pagues el ABL lo hace difícil. Como no estábamos dispuestos a sentar las bases de una estructura espacial para contener algo ideológico –que es para nosotros es muy importante– desde algo horrendo, buscamos y encontramos una persona muy honesta para hacer las gestiones. Y aunque es muy difícil y lleva mucho más tiempo hacer las cosas bien que hacerlas mal, el ímpetu de la búsqueda ganó”.
Ese ímpetu también se ha hecho nombre: “El Brío habla de lo que pasa en el equipo, hay algo de pujanza y de nervio, de no querer descansar, de estar despierto, y de la energía erotizada del trabajo”, señala Claudio, entusiasmado.
Nuestros padres
Sobre el estreno con que abre la nueva sala, Nayla cuenta: “Nuestros padres nace como una propuesta de Alejandro Casavalle para el Centro Cultural Adán Buenosayres. Tras mucho buscar, llegamos a Barranca abajo, de Florencio Sánchez, un texto excelentemente escrito y muy actual en su contenido, aunque antiguo para reproducirlo formalmente. Entonces ideamos con Claudio una estructura sobre la cual empezar a improvisar escenas desde Barranca abajo, pasándolo a una familia de determinadas condiciones. Así apareció la total ausencia de los padres, y llegamos al conflicto de tres hermanas sin casa. Como el material no exige una estética limpia y pulcra, nos permitió encarar una producción sin plata: hicimos una pared con latas oxidadas, y eso fue como el agujero por donde abordamos la estética, llegando a una escenografía montada como un gran reciclaje de cosas oxidadas, de descarte. Lo mostramos en el Adán como trabajo en proceso, y para estrenarla en El Brío hubo un trabajo de pasaje a este espacio. Con Patricia Zangaro, que supervisó la dramaturgia, logramos sintetizarla y condensarla sin dejar de lado lo poético. El resultado es un recorte poético con tientes realistas pero sin intentar ser copia fiel de una familia en decadencia”.
La Venus de las pieles
Esta inquietante novela de Leopold von Sacher-Masoch ya había sido llevada a escena por Quinteros en 2007 con un elenco encabezado por Carolina Fal y Horacio Acosta. Luego de dos años de nuevas indagaciones y muchos ensayos, vuelve a presentarla en dos funciones consecutivas a cargo de sendos elencos.
- ¿Por qué este texto?
- Porque el amor es un tema para hablar sin caer en lugares comunes, y al ofrecerle a Masoch al público (que es muy posible que tenga –como yo tenía– una idea muy equivocada del masoquismo) le permitís acercarse al origen de un montón de cosas que nos pasan, porque las relaciones perversas están presentes en el amor, en lo político, en lo social. Para esta nueva versión explicamos en el programa para qué la hacemos, por qué: no queremos que la gente crea que el fin es mostrar que uno anda con un látigo en la intimidad, sino que vea esto para pensarlo, para reflexionarlo.
La duplicidad de elencos tiene una respetable explicación: “La Venus… es una obra que demanda mucho como actor, que sacude mucho, exige estar muy bien. Y una de mis revisiones sobre lo que fue mi formación pasó por ese tópico de que tenés que actuar aunque te estés muriendo: yo he actuado en situaciones muy extremas de salud, y no es bueno. Probamos, entonces, con tener dos elencos por si alguien no se sentía en condiciones de hacer una función. Luego los entrecruzamos, lo que enriqueció a ambos, aunque cada elenco interpreta desde sus individualidades, y ahora los dos están en escena. Es verdad que es el doble de trabajo, pero también dará otras posibilidades, como poder salir en gira sin cancelar las funciones acá”.
Así sustentada, la primera cartelera de El Brío evidencia que a quienes dan vida a ese espacio no les interesa entretener al público ni mucho menos complacerlo en su ideario. Al contrario, apuestan a despertar interrogantes e incertidumbres, a observar lo que por muy visto ya es ignorado, a mirar donde se nos dice que no hay nada para ver.
El Brío se ha presentado en sociedad hablando claro y con profundidad en pleno Palermo, en donde –como en Babel– la mayoría busca llegar más alto sin importarle entender al otro.
Encontrá la ficha de El Brío en este link a Alternativa Teatral.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Nuestros padres en este link a Alternativa Teatral. Y de La Venus de las pieles, haciendo click acá.
Pese a lo desalentador de ambas burocracias (la legal y la otra), Claudio Quinteros y Nayla Posse inauguraron el mes pasado El Brío, una sala en Guatemala 5092 (casi esquina Oro), con dos espectáculos de elaboración propia: Nuestros padres y La Venus de las pieles.
Tras sortear las veredas rotas que desde enero no ha terminado de embellecer el Gobierno de la Ciudad, El Brío abre sus puertas como un oasis de sencillez y calma. Allí charlamos con los dueños de casa.
Claudio Quinteros inició su formación actoral con Alejandra Boero. A esa experiencia se le sumó la de “hacer” un teatro: Andamio 90. “Ahí viví como normal algo que no es muy normal: construir una sala entre todos, investigar, ensayar, limpiar baños, atender la boletería, ser acomodador”. Luego pasó por Agustín Alezzo, y finalmente la carrera de Pedagogía de la entonces Escuela Nacional de Arte Dramático, “que me sirvió mucho para preguntarme muchas cosas, es decir, fue muy interesante por lo que me pasó a mí, pero tenía que hacer un rescate permanente del motivo por el que estaba; es siempre difícil el vínculo entre el arte y las instituciones, porque muchas veces lo institucional te invita a quedarte dormido, excepto cuando te topás con docentes bien predispuestos a reflexionar”.
Por su parte, Nayla Posse se formó como actriz en la última camada de la ENAD (de donde rescata especialmente a Rubén Ramos y la apertura que le brindó a lo poético, y a Silvina Sabater), y estudió dramaturgia con Daniel Veronese y Alejandro Tantanian, además de reconocer el aprendizaje que implica involucrarse en la necesidad que fuere de cada proyecto, de manera que la asistencia tanto en producción como en dirección e incluso el trabajo de prensa y difusión no le han sido ajenos.
Claudio ya había tenido una sala teatral, El Hormiguero, donde hizo sus primeras experiencias como director. Luego tuvo un estudio y –ya junto a Nayla–, terminado el contrato de alquiler, la búsqueda de un nuevo espacio para seguir desarrollando la labor docente se sumó al deseo de volver a tener una sala propia. Lo cuenta así: “Estábamos ensayando La Venus de las pieles en 2007 y empezó a aparecer la idea de tener un espacio para investigar con los tiempos que necesita un material para madurar más allá del número de ensayos preestablecido, donde puedas plantear cambios y probar cosas nuevas. A poco de estrenar seguíamos viendo cosas para modificar de la puesta que implicaban reformular cuestiones espaciales, escenográficas y técnicas”. Nayla completa la idea: “Esas ganas de investigar le ganaron a la conflictiva social que significa inaugurar una sala de teatro independiente hoy, en Buenos Aires, ¡y encima atravesados por la gripe porcina! Por supuesto que lo que indica la ley en cuanto a requisitos significa un cuidado para la gente del entorno (aunque algunas ya parecen demasiado), pero que te pidan coimas con la misma soltura con que te piden que pagues el ABL lo hace difícil. Como no estábamos dispuestos a sentar las bases de una estructura espacial para contener algo ideológico –que es para nosotros es muy importante– desde algo horrendo, buscamos y encontramos una persona muy honesta para hacer las gestiones. Y aunque es muy difícil y lleva mucho más tiempo hacer las cosas bien que hacerlas mal, el ímpetu de la búsqueda ganó”.
Ese ímpetu también se ha hecho nombre: “El Brío habla de lo que pasa en el equipo, hay algo de pujanza y de nervio, de no querer descansar, de estar despierto, y de la energía erotizada del trabajo”, señala Claudio, entusiasmado.
Nuestros padres
Sobre el estreno con que abre la nueva sala, Nayla cuenta: “Nuestros padres nace como una propuesta de Alejandro Casavalle para el Centro Cultural Adán Buenosayres. Tras mucho buscar, llegamos a Barranca abajo, de Florencio Sánchez, un texto excelentemente escrito y muy actual en su contenido, aunque antiguo para reproducirlo formalmente. Entonces ideamos con Claudio una estructura sobre la cual empezar a improvisar escenas desde Barranca abajo, pasándolo a una familia de determinadas condiciones. Así apareció la total ausencia de los padres, y llegamos al conflicto de tres hermanas sin casa. Como el material no exige una estética limpia y pulcra, nos permitió encarar una producción sin plata: hicimos una pared con latas oxidadas, y eso fue como el agujero por donde abordamos la estética, llegando a una escenografía montada como un gran reciclaje de cosas oxidadas, de descarte. Lo mostramos en el Adán como trabajo en proceso, y para estrenarla en El Brío hubo un trabajo de pasaje a este espacio. Con Patricia Zangaro, que supervisó la dramaturgia, logramos sintetizarla y condensarla sin dejar de lado lo poético. El resultado es un recorte poético con tientes realistas pero sin intentar ser copia fiel de una familia en decadencia”.
La Venus de las pieles
Esta inquietante novela de Leopold von Sacher-Masoch ya había sido llevada a escena por Quinteros en 2007 con un elenco encabezado por Carolina Fal y Horacio Acosta. Luego de dos años de nuevas indagaciones y muchos ensayos, vuelve a presentarla en dos funciones consecutivas a cargo de sendos elencos.
- ¿Por qué este texto?
- Porque el amor es un tema para hablar sin caer en lugares comunes, y al ofrecerle a Masoch al público (que es muy posible que tenga –como yo tenía– una idea muy equivocada del masoquismo) le permitís acercarse al origen de un montón de cosas que nos pasan, porque las relaciones perversas están presentes en el amor, en lo político, en lo social. Para esta nueva versión explicamos en el programa para qué la hacemos, por qué: no queremos que la gente crea que el fin es mostrar que uno anda con un látigo en la intimidad, sino que vea esto para pensarlo, para reflexionarlo.
La duplicidad de elencos tiene una respetable explicación: “La Venus… es una obra que demanda mucho como actor, que sacude mucho, exige estar muy bien. Y una de mis revisiones sobre lo que fue mi formación pasó por ese tópico de que tenés que actuar aunque te estés muriendo: yo he actuado en situaciones muy extremas de salud, y no es bueno. Probamos, entonces, con tener dos elencos por si alguien no se sentía en condiciones de hacer una función. Luego los entrecruzamos, lo que enriqueció a ambos, aunque cada elenco interpreta desde sus individualidades, y ahora los dos están en escena. Es verdad que es el doble de trabajo, pero también dará otras posibilidades, como poder salir en gira sin cancelar las funciones acá”.
Así sustentada, la primera cartelera de El Brío evidencia que a quienes dan vida a ese espacio no les interesa entretener al público ni mucho menos complacerlo en su ideario. Al contrario, apuestan a despertar interrogantes e incertidumbres, a observar lo que por muy visto ya es ignorado, a mirar donde se nos dice que no hay nada para ver.
El Brío se ha presentado en sociedad hablando claro y con profundidad en pleno Palermo, en donde –como en Babel– la mayoría busca llegar más alto sin importarle entender al otro.
Encontrá la ficha de El Brío en este link a Alternativa Teatral.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Nuestros padres en este link a Alternativa Teatral. Y de La Venus de las pieles, haciendo click acá.
lunes, agosto 03, 2009
teatro // Invenciones, de Alejandro Maci
Con el estreno de Invenciones, bien podría haberse despedido Kive Staiff de su añosa y cuádruple gestión en el teatro oficial porteño dejando para la posteridad su indiscutible firma, porque allí se expone con meridiana claridad el fruto de su larguísima labor como director general y artístico del Teatro San Martín (1971-1973, 1976-1989 y desde 1996) a la que desde 2000 le sumó las mismas jerarquías en el Complejo Teatral de Buenos Aires. Sí: Invenciones es el evidente resultado de los criterios personalísimos del contador Staiff, donde conviven por decreto de su antojo una excelente, deliciosa, magistral actuación de Marilú Marini con la confusa y endeble dramaturgia (sobre textos de Silvina Ocampo) y las previsibles elecciones en la dirección de Alejandro Maci, quien no puede escapar a la hibridación de lo teatral con lo televisivo, aunque seguramente son esos brillos catódicos los que atraen a Kive para convocarlo, convencido de que el público, como las moscas, se detiene en lo que ya reconoce como comida. Pero se comprende: ¿cómo iba a negarse a la tentación de que el autor de Los exitosos Pells escriba y dirija bajo su órbita y convocado por su decisión, cuando incluso se ha tentado de proponer a veinteañeras actoralmente semianalfabetas por el solo hecho de que fueron exitosas en la pantalla chica?
Para quienes quieran ver una cátedra de actuación, sentir la arrolladora convicción de una actriz única en escena, saborear lo más delicioso que puede brindar la interpretación, darse el gusto de ver al menos una vez a Marilú Marini actuando, Invenciones es una cita de lujo. Todo su valor está en ella.
Y nada más.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Invenciones en este link a Alternativa Teatral.
Para quienes quieran ver una cátedra de actuación, sentir la arrolladora convicción de una actriz única en escena, saborear lo más delicioso que puede brindar la interpretación, darse el gusto de ver al menos una vez a Marilú Marini actuando, Invenciones es una cita de lujo. Todo su valor está en ella.
Y nada más.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Invenciones en este link a Alternativa Teatral.
sábado, agosto 01, 2009
teatro // Noches de verano, de Cristian Scotton, según Pedro Antony
La gacetilla de prensa dice lo siguiente: “Quince actores, una banda en vivo, ocho espacios, diez canciones y treinta teléfonos son los recursos que Noches de verano utiliza para contar una historia actual y generacional: ¿qué formas adopta el amor en los tiempos de las comunicaciones mediatizadas en las que el cuerpo está ausente?”. Ya antes de que empiece la función, sabemos que el creativo dúo Scotton-Antony tiene que resolver un problema: valerse de un elenco de quince actores y actrices más una banda en vivo para representar la ausencia del cuerpo. Y el problema atravesará la obra entera, porque de no haber existido esa afirmación escrita, jamás en la puesta hubiésemos sospechado la intención de plantear la ausencia del cuerpo cuando si hay algo que sobreabunda son los cuerpos (diecinueve en total).
Podría alegarse, a favor de los creadores, que la mentada ausencia de los cuerpos está en lo representado, y no en cómo se la representa. Pero en lo representado, además de los cuerpos, hay expresas noticias de que han interactuado (o intercambiado fluidos, si se prefiere saber qué tipo de contundentes presencias han tenido frente al otro), por lo cual ni siquiera es que en la ficción, entre ellos, sus cuerpos han estado ausentes. Hablemos claro: si Francisco tuvo sexo con todas las mujeres que quiso, si Esteban le recuerda a su pareja Esteban cómo garcharon anoche, si Ezequiel permite que Esteban lo penetre en su primera experiencia homosexual… ¿de qué ausencia de cuerpos me hablan?
Deduzco, entonces, que aquella frase planteada a modo de hipótesis en la gacetilla fue un error, fruto de un entusiasmo marketinero pero no la base de la reflexión de los creadores de esta pieza. La dejo de lado y me quedo con lo que sucede en escena.
Volvamos a cero. Comienza la función. El texto propone un descomunal inverosímil: estamos en una noche de la que no se sabe si alguna vez terminará. No hay certeza de que vuelva a amanecer. Está bien, vengo entregado al teatro y acepto la ficción de que la Tierra ha dejado de girar y por estas latitudes nos tocó quedar del lado oscuro. Pero cuando la función termine me daré cuenta de que el tiempo ficcional bien podría haber sido de unas pocas horas, por lo cual todo podría haber sucedido en una noche cualquiera, esas cortas noches de verano. Otro problema en el que los creadores se meten –y nos meten con ellos– sin la menor necesidad, pues es un problema que no aporta nada, es un problema en sí y para sí. Un capricho, una cosa loca, un permiso de artista.
En esa noche innecesariamente irreal vamos conociendo a los personajes. Amor, rechazo, sexo, infidelidades, aventuras, esperas, deseos y complicidades sostienen los vínculos entre ellos, de manera que forman una red bastante interrelacionada, aunque no todos se contacten con todos. Pero es tanta gente (ya lo dije, son quince) y generan tantos vínculos que poder hacerse un mapa mental de sus mutuas correspondencias es imposible, y sin ese mapa te perdés más de una vez. Y la decisión de que casi toda palabra dicha de un personaje a otro tenga al teléfono como mediador empantana mucho más la posibilidad de comprensión: esa distancia (y no distanciamiento, solo hablo de distancia) entre quienes mantienen una conversación desdibuja vínculos, aplasta la dinámica, dispersa la energía.
Pero eso no es todo; tenemos más trabajo por delante. El diseño del espacio, claramente definido incluso desde lo cromático y muy bien realizado, termina siendo "plurihabitable": la cocina es la cocina de todos y de todas, con la cama sucede lo mismo, y otro tanto con la oficina… Entonces, los personajes viven todos en todo el escenario, y sus vinculaciones etéreas/telefónicas se vuelven aun más confusas porque ni siquiera se las puede asociar con algún punto del escenario. Van, vienen, hablan aquí, hablan allá, van, vienen, hablan desde aquí, hablan desde allá, van, vienen, hablan hacia allá, hablan hacia ahí… Y tanto para que lo que sucede sea mínimo. Sí, mínimo.
Esa noche tiene además la compañía de una locutora radial que dice tan poco de interesante como cualquier locutora radial nocturna. Pero ella está acompañada por la música de la radio, lo que justifica (¿justifica?) la presencia de la banda en el escenario, a la izquierda del público, que entra cada vez que va a tocar y sale cada vez que deja de tocar, incluso en un momento en que entre la salida y el siguiente ingreso no debe haber más de un minuto y medio. Otro incordio.
Con la misma arbitrariedad con que se anunció que quizás la noche jamás terminaría, se anuncia que amanecerá. El fin llega por los senderos más previsibles, evidenciando que estamos ante un producto complaciente para con el tipo de público al que apunta (¡sí, esta es otra historia para twenteenagers!), por lo que la pareja seguirá junta, el enamorado logrará el sí de su niña, y los quince fueron felices (cada cual a su medida) y comieron perdices.
Salgo caminando por la calle Zelaya en su nueva versión macrista (peatonal llena de autos) y voy pensando que de no haber estado la banda en vivo nada hubiera cambiado, que de faltar la locutora todo seguiría igual, que de desaparecer todos los personajes que son accesorios (la gran mayoría) tampoco se perdería nada, que de concentrar en un único espacio polifuncional las acciones que quedasen en pie se ganaría mucho sin sumar en confusión (porque ya existe en esta puesta enorme). Cuando llego a la esquina de Anchorena, creo verlo con claridad: un texto más concentrado en unos pocos personajes y una puesta mínima podrían haber sostenido con más interés esta historia de amor con teléfonos. Scotton y Antony se lanzaron innecesariamente a un trabajo ambicioso que les terminó quedando grande y suena muy pretensioso. Hubieran acertado con cinco actores y actrices, un espacio de 4 x 4 con una escenografía mínima en un espectáculo de 50 minutos como máximo. Mientras espero el 99 en la parada de Tucumán y Anchorena, en esa noche de invierno que es larga per se, solo dos palabras me vienen una y otra vez a la cabeza: “Qué pena…”.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Noches de verano en este link a Alternativa Teatral.
Podría alegarse, a favor de los creadores, que la mentada ausencia de los cuerpos está en lo representado, y no en cómo se la representa. Pero en lo representado, además de los cuerpos, hay expresas noticias de que han interactuado (o intercambiado fluidos, si se prefiere saber qué tipo de contundentes presencias han tenido frente al otro), por lo cual ni siquiera es que en la ficción, entre ellos, sus cuerpos han estado ausentes. Hablemos claro: si Francisco tuvo sexo con todas las mujeres que quiso, si Esteban le recuerda a su pareja Esteban cómo garcharon anoche, si Ezequiel permite que Esteban lo penetre en su primera experiencia homosexual… ¿de qué ausencia de cuerpos me hablan?
Deduzco, entonces, que aquella frase planteada a modo de hipótesis en la gacetilla fue un error, fruto de un entusiasmo marketinero pero no la base de la reflexión de los creadores de esta pieza. La dejo de lado y me quedo con lo que sucede en escena.
Volvamos a cero. Comienza la función. El texto propone un descomunal inverosímil: estamos en una noche de la que no se sabe si alguna vez terminará. No hay certeza de que vuelva a amanecer. Está bien, vengo entregado al teatro y acepto la ficción de que la Tierra ha dejado de girar y por estas latitudes nos tocó quedar del lado oscuro. Pero cuando la función termine me daré cuenta de que el tiempo ficcional bien podría haber sido de unas pocas horas, por lo cual todo podría haber sucedido en una noche cualquiera, esas cortas noches de verano. Otro problema en el que los creadores se meten –y nos meten con ellos– sin la menor necesidad, pues es un problema que no aporta nada, es un problema en sí y para sí. Un capricho, una cosa loca, un permiso de artista.
En esa noche innecesariamente irreal vamos conociendo a los personajes. Amor, rechazo, sexo, infidelidades, aventuras, esperas, deseos y complicidades sostienen los vínculos entre ellos, de manera que forman una red bastante interrelacionada, aunque no todos se contacten con todos. Pero es tanta gente (ya lo dije, son quince) y generan tantos vínculos que poder hacerse un mapa mental de sus mutuas correspondencias es imposible, y sin ese mapa te perdés más de una vez. Y la decisión de que casi toda palabra dicha de un personaje a otro tenga al teléfono como mediador empantana mucho más la posibilidad de comprensión: esa distancia (y no distanciamiento, solo hablo de distancia) entre quienes mantienen una conversación desdibuja vínculos, aplasta la dinámica, dispersa la energía.
Pero eso no es todo; tenemos más trabajo por delante. El diseño del espacio, claramente definido incluso desde lo cromático y muy bien realizado, termina siendo "plurihabitable": la cocina es la cocina de todos y de todas, con la cama sucede lo mismo, y otro tanto con la oficina… Entonces, los personajes viven todos en todo el escenario, y sus vinculaciones etéreas/telefónicas se vuelven aun más confusas porque ni siquiera se las puede asociar con algún punto del escenario. Van, vienen, hablan aquí, hablan allá, van, vienen, hablan desde aquí, hablan desde allá, van, vienen, hablan hacia allá, hablan hacia ahí… Y tanto para que lo que sucede sea mínimo. Sí, mínimo.
Esa noche tiene además la compañía de una locutora radial que dice tan poco de interesante como cualquier locutora radial nocturna. Pero ella está acompañada por la música de la radio, lo que justifica (¿justifica?) la presencia de la banda en el escenario, a la izquierda del público, que entra cada vez que va a tocar y sale cada vez que deja de tocar, incluso en un momento en que entre la salida y el siguiente ingreso no debe haber más de un minuto y medio. Otro incordio.
Con la misma arbitrariedad con que se anunció que quizás la noche jamás terminaría, se anuncia que amanecerá. El fin llega por los senderos más previsibles, evidenciando que estamos ante un producto complaciente para con el tipo de público al que apunta (¡sí, esta es otra historia para twenteenagers!), por lo que la pareja seguirá junta, el enamorado logrará el sí de su niña, y los quince fueron felices (cada cual a su medida) y comieron perdices.
Salgo caminando por la calle Zelaya en su nueva versión macrista (peatonal llena de autos) y voy pensando que de no haber estado la banda en vivo nada hubiera cambiado, que de faltar la locutora todo seguiría igual, que de desaparecer todos los personajes que son accesorios (la gran mayoría) tampoco se perdería nada, que de concentrar en un único espacio polifuncional las acciones que quedasen en pie se ganaría mucho sin sumar en confusión (porque ya existe en esta puesta enorme). Cuando llego a la esquina de Anchorena, creo verlo con claridad: un texto más concentrado en unos pocos personajes y una puesta mínima podrían haber sostenido con más interés esta historia de amor con teléfonos. Scotton y Antony se lanzaron innecesariamente a un trabajo ambicioso que les terminó quedando grande y suena muy pretensioso. Hubieran acertado con cinco actores y actrices, un espacio de 4 x 4 con una escenografía mínima en un espectáculo de 50 minutos como máximo. Mientras espero el 99 en la parada de Tucumán y Anchorena, en esa noche de invierno que es larga per se, solo dos palabras me vienen una y otra vez a la cabeza: “Qué pena…”.
Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Noches de verano en este link a Alternativa Teatral.
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