índice // serial de Buenos Aires Sala Abierta

Aquí, los links a las notas en las que este blog siguió la desprolija y caprichosa muestra de teatro inventada por el ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, ingeniero Hernán Lombardi, a la que denominó Buenos Aires Sala Abierta.

1) Primer anuncio del ingeniero Lombardi.
2) Cae el primer intento.
3) Lombardi insiste: segundo anuncio.
4) Objeciones a la propuesta.
5) Invitación a la conferencia de prensa.
6) Conferencia de prensa y después.
7) Una más: los afiches.
8) A más de dos meses, sin respuestas ni billetes.

// Buenos Aires Cama Abierta (o de cómo un funcionario acuesta a casi toda una comunidad teatral)

Pasados ya dos meses y medio de la realización de Buenos Aires Sala Abierta, sigue sin novedades aquello que todas y todos sabemos: todavía no se pagaron las funciones de esa muestra abierta de teatro promovida por el ingeniero Hernán Lombardi y negociada por la Asociación Argentina del Teatro Independiente (Artei) en representación no delegada de toda la comunidad teatral independiente porteña. No hablemos ya de su pésima organización ni de su inexistente difusión; basta con considerar que el trabajo de cientos de personas no ha sido aún retribuido como para repudiar la operatoria. O la inoperancia, para ser más exactos.
Pocos días atrás, Artei había reaccionado enviándole a Lombardi la siguiente carta.

"Buenos Aires, 23 de enero de 2009
"Sr. Ministro de Cultura
"D. Hernán Santiago Lombardi
"De nuestra consideración:
"Nos dirigimos a Vd. a fin de reclamarle formalmente el cumplimiento de la cláusula séptima de los convenios de Colaboración y Coproducción suscriptos con la cartera a su cargo con fecha Octubre/ Noviembre de 2008.
"Por la misma, el Gobierno de la Ciudad a través de su Ministerio se obligó a abonar a cada sala interviniente en el Programa “Buenos Aires Sala Abierta” la suma de $ 5000 (Pesos cinco mil) en compensación por la realización de funciones gratuitas a cargo de las salas independientes y la entrega de las taquillas al Ministerio para su distribución sin cargo.
"Nosotros hemos honrado nuestro compromiso, pero el Gobierno de la Ciudad no ha cumplido el suyo ni en legal tiempo ni en debida forma.
"Debe Vd. saber que la retribución que se nos adeuda estaba destinada a las compañías y elencos que brindaron los espectáculos, por lo que, descontado finalmente lo que corresponde por derecho de autor, lo que nos queda a las salas es del orden de un 30 % de dicha suma.
"Con esto queremos expresarle que la falta de pago oportuno de nuestras acreencias nos genera graves complicaciones y perjuicios en nuestra relación con los artistas, frente a quienes debemos responder en tanto por la cláusula sexta del convenio citado el Gobierno ha deslindado toda responsabilidad ante ellos.
"La cancelación de dichas sumas antes de comenzadas las funciones, según se había pactado, hubiera permitido evitar esta enojosa situación y el adelanto de los gastos de producción por nuestra parte. Por este motivo resulta imperioso que se cumpla lo acordado de manera perentoria.
"Atento a que ni los numerosos reclamos verbales, ni la nota cursada con fecha 12 de diciembre ppdo. han recibido adecuada respuesta, por medio de la presente procedemos a todo evento a constituir formalmente en mora al Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, sin perjuicio de señalar que, conforme la cláusula novena de los convenios, éstos debieron haberse cumplido a más tardar el 31 de diciembre de 2008.
"Esperando no tener que recurrir a vías legales para reparar los importantes perjuicios materiales y morales que este incumplimiento nos está ocasionando, saludamos a Vd. atte.
"Diego Kogan, secretario
"Alberto Félix Alberto, presidente"

Conocer el contenido de esta carta nos permite saber algo terrible: que los convenios firmados entre las salas y el Ministerio de Cultura incluyen una cláusula (la sexta, según se especifica) por la cual el Gobierno ha deslindado toda responsabilidad ante los elencos participantes. Terrible porque no se entiende por qué una entidad privada que representa a algunas salas decidió que las salas que representa y todas las demás que participaran serían las responsables ante los elencos, dejando al gobierno porteño ajeno a toda responsabilidad. Pero ¡así yo también hago un festival! Yo y cualquier pelafustán como yo podemos organizar eventos culturales de magnitud, mucho más importantes que éste, si una de las partes intervinientes se limita a aceptar lo que la otra decide, y la parte que decide se deslinda de casi toda la responsabilidad. Total, pongo el cuerpo para hablar ante algunos medios, me saco un par de fotos y que laburen los demás.
Lamento no poder evitar el enojo al escribir esto. Porque no puedo escribir distanciado y objetivamente acerca de cómo un funcionario acuesta a casi toda una comunidad teatral, comunidad que sabe de resistencias y luchas y compromisos, comunidad que probablemente sea una de las más nutridas del mundo, comunidad cuya tarea es tan importante que no deja de ser citada en ningún discurso oficial sobre el quehacer cultural porteño. A esa comunidad, poderosa por historia, por número y por capacidad creativa, le tendieron una vulgar cama y la acostaron con el menor esfuerzo.
Admito que, quizás, haya elementos de la trama que desembocó en Buenos Aires Sala Abierta que yo desconozca y que tal vez explicarían en parte por qué Artei obró así –tan confiadamente, tan inocentemente– ante Lombardi. Sin embargo, de haberlos, lograríamos justificar aspectos de la negociación Artei-Lombardi, pero tendríamos más elementos que se pusieron en juego a espaldas del resto de la comunidad teatral.

chapeando con el laburo ajeno
Hace dos semanas, en la entrada sobre la conferencia de prensa en la que se presentó la temporada 2009 del Complejo Teatral de Buenos Aires, omití citar unas palabras de Lombardi porque hablaba de lo que se le antojaba y no del Complejo Teatral. Pero aquí vale la pena reproducirlas, textualmente.

"Este año, el énfasis dentro del teatro… Ustedes saben que por primera vez hemos tenido, además de la programación del teatro oficial, un festival de teatro independiente. Nos parece… Ojalá que en el transcurso de los años nos pase con este Buenos Aires a Sala Abierta lo mismo que pasó con el BAFICI, que se fue consolidando, consolidando, consolidando, y hoy es un patrimonio de la ciudad. El teatro independiente de la ciudad, al cual el Ministerio de Cultura tiene también sus puertas muy abiertas, ha tenido este año su primer festival. Queremos que se siga reproduciendo en el tiempo con mayor calidad, con mayor excelencia, con mayor convocatoria de público."

Todo dicho, ¿verdad?

teatro // Aires, de Marcelo Katz y Javier Pomposiello, por la Compañía Clun

Gente de palabra esta de la Compañía Clun, que habían prometido seguir con la trilogía que abrió Aguas y, puntuales, estrenaron el segundo capítulo, Aires. Al igual que el anterior, se presenta en el Patio del Aljibe del Centro Cultural Recoleta (en donde, por supuesto, se pasea como Pancho por su casa y sigue cumpliendo raras funciones el empleado patoteador de cuyo pésimo trato dimos cuenta al finalizar la nota sobre Aguas, advertencia que vale en particular para quienes decían que Macri iba a poner en orden a los empleados del Gobierno de la Ciudad, aunque hay que reconocerle que algo ordenó, porque ordenó muchos despidos, actitud que se le entiende ya que fue criado en un contexto familiar y empresarial en los que la mayor capacidad del gerente es dejar a gente sin trabajo, sea eficiente o no, exceptuada la que esté en la rosca). Allí nos esperan las señoras y los señores de narices rojas. Que son quienes valen y por quienes ahí estamos.
Es evidente que trabajar con el aire como tema, armar números en los que el aire sea la excusa o el soporte, impone una dificultad: su intangibilidad o su invisibilidad, según con qué sentido queramos sentir la imposibilidad de sentirlo. Y mientras que en Aguas vemos el elemento en cuestión chorreando, brotando, lloviendo, salpicando, mojando, escurriendo, desbordando e inundando, aquí no vemos nada excepto lo que se mueve en el aire, lo que se sostiene en el aire o lo que contiene aire. Sí, “falta” el aire porque no se lo ve. A nivel de la puesta en escena, el aire es el gran ausente, por lo que necesariamente vienen en auxilio de esa carencia burbujas de jabón, globos o envoltorios de pajitas, y para darles movimiento se requiere de ventiladores, secadores de pelo o buenos pulmones.
El camino elegido para encarar los distintos cuadros serpentea entre el disparate y la poesía, pero no termina de arriesgarse ni en uno ni otro término, por lo que parecería faltar un poco más de desmesura en algunos momentos propicios para los desbordes. De todos modos, el resultado del moderado recorrido es inobjetable por lo positivo que ofrece, pues nada de lo señalado llega a ser óbice para que las y los clowns de esta troupe (Cecile Caillon, Demián Candal, Erica Ynoub, Javier Pomposiello, Juan Carlos Bratoz, Julieta Carreras, Lisandro Penelas, Luciana Wiederhold, Martín López y Pablo Fusco) desarrollen con eficacia sus números. Y en ellos evidencian un proceso que seguramente incluyó profunda investigación, precisa creación y agotadores ensayos.

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Aires en este link a Alternativa Teatral.

circo // Nocturna, de Gustavo Silva

¿Quién fue el raro bicho que te ha dicho, che pebete, que pasó el tiempo del firulete? No, que no pasó. Sucede que está por el aire. Sí, el firulete anda ahora entre trapecios y telas, entre trampolines y alambres. Firulete de circo y con compás electrónico, porque no suena Marianito Mores sino sus nietos tangueros de Bajofondo, Gotan Proyect y Electrocutango.
Entran entonces las paicas y los compadritos que, en lugar de sacarle viruta al piso, le ponen brillos al aire. Y desarrollan diez cuadros en los que las acrobacias del circo contemporáneo se fusionan naturalmente con el tango electrónico, como si se hubieran criado en el mismo conventillo. Con sus cuerpos hábiles y entrenados, nos relatan diez situaciones en las que la permanente muestra de precisión, fuerza y energía no hace mella en la sorprendente gracia de estos y estas artistas que siempre tienen a flor de piel un gesto, una mirada, un movimiento que, canyengue o bacanzo, bien ancla la técnica en la temática elegida.
Nocturna es una imperdible propuesta creada y dirigida por Gustavo Silva. De su mano, el admirable desenvolvimiento de la Compañía de Circo Vaivén seduce al público de tal manera que, por momentos, la platea parece estar volando a su lado, como cautivada por el tango y liberada por el circo.
Apenas parafraseando a Discépolo, digamos que con este circo que es burlón y compadrito se ató dos alas la ambición de mi suburbio. Y salió buscando el cielo.

(Dado que este espectáculo se desarrolla en la terraza del Centro Cultural Recoleta, se suspende por lluvia.)

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Nocturna en este link a Alternativa Teatral.

teatro // Como quien oye llover, de Juan Pablo Geretto

Había una vez un nene que vivía en la ciudad de Gálvez, en la provincia de Santa Fe. De ese nene no vamos a saber nada excepto lo que podemos deducir de lo que dice y hace el adulto en que se convirtió: seguramente era un nene con unos ojos inmensos y con una mirada profunda que lograba comerse entero el mundo que tenía a su alcance, que contemplaba con tanta minuciosidad a las personas que las grababa en su memoria, especialmente lo que no entendía porque pertenecía a ese mar oscuro que son “las cosas de la gente grande”. Que las grababa no sólo en su memoria, sino también en su corazón. Y especialmente en el corazón lo que no entendía, porque no hay dudas de que Juan Pablo Geretto ha guardado con ternura esas aristas poco amables y algo oscuras para ahora –cuando el buen añejado con que las preservó las ha convertido en especial bebida– ofrecérnoslas en un brindis que, como todos, invita a la alegría y augura buenos tiempos, aunque no haya muchos motivos para hacerlo.
Primero nos llena las copas con Ana María que, a modo de sidra, se abre con estruendo, sube y se desborda con su espuma pero, para que no nos engañemos, muestra su color más chillón que el del champán y nos deja el sabor dulzón de su propia sencillez. Así es ella, siempre empujando para arriba, apenas acompañada por su perro, Apolo, que le entiende todo y cuyo cumpleaños está festejando. ¡A qué raras combinaciones puede exponernos la soledad! No menos raras que las situaciones que surgen de esas combinaciones, que en el caso de Ana María llegan a ser un universo propio. Y, sí: esa dulce mujer necesitaba un universo para expandir su afecto.
El segundo brindis es con la Nelly. Como la grapa, es humilde, fuerte como muchas otras pero áspera como ella sola, y aun así, muchas veces necesaria (un poco, porque mucho hace daño). Compañera de las frías horas de reposos por enfermedades o de velorios, viuda maldiciente y corrosiva del difunto pero de riguroso luto, que es lo que se debe. Nelly parece muy mala pero quizás apenas sea desmesurada. Hay que escuchar un poco más allá de sus palabras, donde esconde su dolor.
La madre de la Chucky es el clericó del tercer brindis que propone Geretto. Dulzona y aparentemente inofensiva, que invita a más hasta que te parte la cabeza, esta mujer es resultado de mezclar todas las situaciones que tiene a mano y no resolver ninguna. Le sobran problemas, especialmente la hija por la cual se identifica. Producto del desaliento que se le infligió a la clase trabajadora, su vida es resultado de una supervivencia que incluye, por supuesto, algunos elementos impuestos culturalmente como necesidades básicas.
Entre una y otra mujer, Geretto, sin salir del escenario, se convierte en la próxima tomando los elementos que las visten de un maniquí, uno por cada una. Así, él mismo, cuando se despoja de los atuendos con que las compone, es también un maniquí neutro y encorsetado, listo para asumir otro vestido y darse otra personalidad. Y es ahí en donde aparece el actor y enriquece a las tres mujeres compartiendo con el público lo que cada una de ellas ha significado en su vida.
En el segmento final de Como quien oye llover, este brillante creador homenajea a las madres e incluso se da el gusto de tomar contacto físico (hasta hacerlo emocional) con alguien del público de una manera tan potente que toda la platea puede sentirse estrechamente unida a él. Entonces se evidencia que el sabroso vino, noble y bien guardado, con el que hemos brindado, es el mismo Juan Pablo Geretto que se ha entregado generosamente a nosotros e incluso se ha entregado a aquellas mujeres, pues más que haberlas interpretado, las mimó con entrañable dedicación.
Si estas últimas palabras parecen exageradas será porque no resulta fácil encontrar otras más precisas para hablar de un trabajo único, porque Geretto lo compuso lleno de vida y afecto, y nos hace reír pero jamás lastimando, nos conmueve sin manipularnos, y sabe darse sin regodearse en su propia exhibición.
No quiero dejar de señalar que este enorme y talentoso actor, al no parodiar ni estigmatizar a sus mujeres, le da una vuelta de tuerca al transformismo que, aunque en la escena local ha alcanzado muy destacados trabajos –como, por ejemplo, con el glamoroso Jean Françoise Casanovas o el desopilante Antonio Gasalla–, siempre (un siempre limitado a lo que recuerda este cronista, claro está) se construyó desde una mirada que cargaba con algún demérito a la mujer o a sus costumbres o, al menos, cercana a estereotipos que empobrecen y limitan. Juan Pablo Geretto hace otra cosa: quizás sea que las habita con respeto, quizás sea que las modela desde el amor.

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Como quien oye llover en este link a Alternativa Teatral.

teatro // Leterno, de y por Mariano Bassi

Estoy dudando desde la primera palabra, la que antecede a la doble barra en el título de esta entrada (“teatro”), porque no estoy seguro de que Leterno sea una pieza teatral. De lo que no dudo es de haber visto un espectáculo; pero teatro, aún no lo sé.
Su creador es Mariano Bassi, a la vez que su único intérprete: un rol no se explica sin el otro, porque creó algo sólo para él. Lo que no está mal, por supuesto. Y nada mal cuando descubrimos tanto trabajo: Bassi muestra todo lo que tiene, anuda todo lo que puede resolver, expone todos los caminos en los que sabe que puede arriesgarse; no dejó carne (de la suya) sin echar al asador.
Pero así, Leterno, en su permanente exhibición de los muy variados conocimientos del talentoso intérprete (hay que reconocerlo), ya temprano deja notar que estamos ante eso y nada más que eso: una exhibición. Y tanto pero tanto despliegue se le vuelve en contra, porque el relato no se sostiene más que en la necesidad de mostrar sus cualidades para manejar distintos lenguajes y técnicas, saltando de una a otra situación sin más lógica que la que impone hacer un catálogo.
El esfuerzo hubiese dado mejores frutos poniéndolo al servicio de un texto ajeno.

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Leterno en este link a Alternativa Teatral.

teatro // Nina, de José Ramón Fernández, según Jorge Eines

A un hotel junto al mar llega una mujer fuera de la temporada turística. A regañadientes, el dueño del establecimiento acepta alojarla. En realidad, la aloja porque la ha reconocido: es Nina, una joven nacida en ese pueblo y que ¿triunfa? en la gran ciudad como actriz. Para atenderla llama a Blas, cuya esposa lo engaña con quien fuera el novio de Nina antes de que esta partiera; lo mueve la esperanza de que Blas convenza a Nina de quedarse, ella seduzca a quien fue su amor adolescente, éste deje a la esposa de Blas, y Blas se pasee sin cuernos por esas tristes calles. La noche es larga, la ginebra es fuerte, los sueños están muertos y el presente es horriblemente gris. A Nina le queda grande la ciudad de la que huye inútilmente, a Blas le queda chico el pueblo del que jamás salió, y es en ese infinitesimal punto en el que se cruzan, sexo inevitable mediante, para empezar nuevamente a alejarse.
Con muchos lugares comunes y algunas frases dignas de momentos culminantes de telenovela de mala factura, el texto de Nina resulta opaco y superficial a la vez que pretencioso pues, sin pudor, intenta emparentarse con la Nina de La gaviota, de Chéjov. Pero sorpresas te da la vida: José Ramón Fernández, el autor, ganó en 2003 el Premio Lope de Vega por esta obra. Sí, por esta obra.
A ese texto apenas agraciado poco le ayuda la dirección de Jorge Eines. Si bien ofrece una puesta que potencia los climas que atraviesan esa noche, los caminos que ha elegido para que transiten los actores atascan una y otra vez el módico desarrollo de la pieza. La desmesura con que Heidi Steinhardt asume el rol de Nina resulta agobiante; el espectador no puede ver mucho más que una mujer que se mueve raro y que se acerca al pico de lo inverosímil a medida que la bebida le va haciendo perder el control, a punto de que su mayor drama –que sabemos está en su interior, que está pidiendo salir y que la carcome– parecería ser el no poder quedarse quieta. No menos extrañas resultan las reacciones físicas del Blas que compone Pablo Razuk, aunque cabe reconocerle una mayor contención y una intensidad visceral que, a su vez, lo alejan del registro en que se encuentra Steinhardt. En cuanto a Eduardo Ruderman, es imposible no señalar que se calzó el personaje del dueño del hotel a último momento, ya que ese rol iba a interpretarlo Héctor Malamud, quien lo ensayó hasta el día antes de su muerte.
Si hay algo que indudablemente aporta Nina es que nos viene a recordar que, a veces, más es menos.

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Nina en este link a Alternativa Teatral.

teatro // Tres viejas plumas, de Claudia Piñeiro, según Marcelo Moncarz

Marcelo huyó de su arbitrario y sombrío padre abandonando con él a su hermano. La gran ciudad hizo de él algo parecido a un yuppie, y son sus inevitables obligaciones laborales las que ahora lo llevan por pocas horas de regreso a su pueblo natal. Cavilaciones mediante, va a visitar a José, su hermano, que padece un retraso mental. Inevitablemente aparece el padre, y en la memoria de los momentos felices pero también en una dimensión paralela aparece la madre muerta.
Los personajes creados por Claudia Piñeiro son muy estereotipados y no alcanzan nada de la riqueza que podrían mostrar con apenas algunos matices: Marcelo transita casi toda la obra al borde de una autoimpuesta tortura emocional, la limitación intelectual de José lo convierte en una máquina de chorrear ternura, el padre es la encarnación de la oscuridad, y la madre muerta es el epítome de lo naif. Para más, hay demasiado relato puesto en boca del hijo que regresa y de su madre, mucha explicación del dolor vivido por ellos, muchas manifestaciones del enojo y de la impotencia de Marcelo, y todo eso a la larga diluye la tensión dramática, pues cuando arribamos finalmente al encuentro con el padre, apenas se perciben sus emociones contrapuestas. Y el motivo de la muerte de la madre, espetado al padre por el hijo indignado, parece una idea ajena, arrojada desde la nada sólo para impactar al público.
Si el texto ya tiene sus grietas, más débil se torna por la dirección de Marcelo Moncarz. Hay que reconocer que el poco amable escenario de Maipo Club le juega en contra a cualquiera, pero su puesta parece lanzarse de lleno a las limitaciones que le ofrece ese espacio, sin buscar alternativa alguna. A la vez, la obra parece nunca entrar en ritmo, y hay escenas y situaciones que se tornan eternas. No mejor le ha ido con el elenco que, pese a contar con sus propias armas, apenas alcanza algunos momentos interesantes. Así, la siempre atractiva Claudia Lapacó aquí aburre con sus caras de buena muertita, con un tono dulzón que empalaga, incluso con un baile poco feliz que –como si poco tuviésemos– se reitera. Así, un actor rico como Adrián Navarro queda expresando las emociones de su personaje (Marcelo) en la voz, en algunos quiebres, y no mucho más. Así, un actor versátil y tan potente para comunicar como Marcos Montes apenas puede darle a su José algunos movimientos torpes, un par de mohines y una sonrisa excesiva, casi tallada. Julio López, por su parte, resuelve con lo justo ese padre apenas presente, pero sus breves intervenciones no hubiesen permitido una construcción más compleja ni siquiera habiendo estado esto en la intención del director.

Encontrá la ficha artística y técnica y la información de las funciones de Tres viejas plumas en este link a Alternativa Teatral.

// Complejo Teatral de Buenos Aires: programación 2009

El pasado martes 23 de diciembre se presentó la temporada 2009 del Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) en una conferencia de prensa que –especialidad de la casa– poco tuvo de tal: los funcionarios hablan y las y los periodistas no preguntan, algunas y algunos porque ya lo han hecho antes o lo harán después gracias a la gentil disposición del ministro y del director que se prestan así a dar “exclusivas”, impidiendo que la información se socialice. Porque –sí, iluso de mí– ese debería ser uno de los objetivos de una conferencia de prensa: todas y todos, amigas y amigos y quienes no lo son, reciben la misma información. Pero no; lo único que pretenden darnos a todos por igual son los canapés y las bebidas en el agasajo posterior.
Así, lo más sabroso de lo dicho en esa jornada por el pertinaz tetrafuncionario Kive Staiff no fue proferido durante la conferencia de prensa, sino en un reportaje que le concedió a Alejandro Cruz un rato antes y que fue publicado al día siguiente en La Nación. Sin que el cuasi eterno director diga nada, Cruz instala el tema del pronto final del staiffato con una pregunta inocente: “¿Qué gustos se está dando en la programación a sabiendas de que es su último año?”, respondiendo Kive naturalmente acerca de las obras programadas, sin detenerse en ese anuncio. Y así como se hizo el desentendido con Cruz, como si su tan esperado retiro fuese algo sabido por todos, también se hizo el desentendido en la conferencia de prensa, en la que no dijo ni una sola palabra sobre su alejamiento. Y no parece un dato menor como para escamotearlo en esa ocasión.
El mismo y raro estilo mostró el ministro de Cultura, Hernán Lombardi, al hablar del presupuesto con Página/12 a solas, según la nota que el siguiente sábado 27 fue publicada en ese diario sin firma.
Reseñadas las incoherencias o arbitrariedades o faltas de tacto o lo que fuere de parte de uno y otro funcionario, vayamos a la conferencia de prensa. Que comenzó con un emocionadísimo Kive pidiendo se le permitiese homenajear al escenógrafo y vestuarista Carlos Gallardo, muerto dos días antes cuando el vehículo que conducía el coreógrafo Mauricio Wainrot salió de la ruta 9, a la altura de kilómetro 228, para impactar contra un árbol tras dar varios tumbos. Un aplauso. Quebrado, Kive expresó su apoyo a Wainrot y le cedió la palabra a Lombardi, quien exhibió el típico estilo macrista: adjetivos grandilocuentes, ocultamiento de cualquier irregularidad o conflicto, y mucho lenguaje performativo, porque la única realidad que admiten es la que inventan ellos con sus discursos: “Estamos orgullosos de lo que sucede en el Complejo Teatral de Buenos Aires”; “En cada una de sus salas han exhibido la excelencia y la calidad del teatro oficial de la Ciudad de Buenos Aires”; “También estamos orgullos de la programación del año que viene, de la convocatoria absolutamente plural como siempre ha caracterizado a esta casa”; “Nosotros creemos que el teatro de Buenos Aires es parte del patrimonio que tenemos”; ”Somos una ciudad teatrera y tanguera”. La sensibilidad macrista quedó evidenciada cuando el ministro dijo: “Pensamos que en momentos donde probablemente la gente tenga menos posibilidades de acceso a la cultura, tenemos la obligación de reafirmar el teatro público”, aunque no habrá entradas gratis para quienes acrediten vivir en los barrios más pobres o en las villas miserias, sino que seguirán siendo pagas, y vaya a saber a qué precio.
Luego retomó la palabra Staiff para dar cuenta de la programación 2009, que aparece bajo el siguiente subtítulo de esta nota.
La buena noticia de ese mediodía fue que Alejandro Tantanian dirigirá el Teatro Sarmiento a partir de este año, lo que implica la no menos buena noticia del fin de los tiempos de Vivi Tellas a partir del 31 de diciembre de 2008. El resto, más de lo mismo.
Y cuando se abrió la conferencia a las preguntas, le consulté a Lombardi acerca del presupuesto del CTBA: “En números concretos, ¿es mayor al que tuvo el Complejo Teatral en 2008? ¿En qué porcentaje es mayor, en caso de serlo?”, a lo que el ministro respondió: “En el presupuesto operativo… Usted sabe que hay una fuente que son los ingresos que dependen del éxito de las obras, otro aspecto es el tema propio de inversión en operatividad corriente, y por otra parte está la inversión en obras. Si nosotros sumamos todos los factores estamos hablando de un presupuesto que tiene para el año 2009 tres millones de pesos más. Sin contar esto el aporte del Banco Ciudad, que si bien es un banco, también es de la Ciudad de Buenos Aires, y por lo tanto creo que ahí la gestión del Complejo en términos de conseguir el aporte del Banco Ciudad le permite al Complejo trabajar con más holgura en este aspecto y a la vez le permite reponer algo que es muy querido que es todo el trabajo en el hall”.
Como se olvidó de expresar este aumento en porcentaje, se lo recordé y dijo: “Debe ser un cuatro o cinco por ciento. No se olvide que estoy contabilizando las obras”. Y Kive agregó: “Va a ser bueno aclarar que hemos evaluado económicamente cada uno de los proyectos que acabo de leer, y cerramos sobre esa base, de manera que no estamos arriesgando sino simplemente confrontando la realidad con el dinero que disponemos”. A lo que Lombardi acotó: “Y que todos los proyectos anunciados están totalmente financiados. Eso es importante: saber que ya hay… digamos… y que del punto de vista de los ingresos, bueno, uno podría pensar que las obras se estrenan un poquito más tarde, pero las obras se adelantaron en las dos salas principales; desde el punto de vista de los ingresos también estamos bien”.
Y no hubo más preguntas.
Fue una pena que Staiff no haya señalado que para producción el CTBA recibirá $ 550.000 menos que en el año 2008, tal como lo dio por sentado Cruz en la nota antes señalada. Y sorprende que habiendo escuchado a lo largo de todo el año a la dirigencia macrista denunciando la falsedad de los cálculos de inflación que da a conocer el Indec, ellos hagan un presupuesto que crece mucho menos que la inflación oficial. Porque si tanto saben cuál fue la inflación real de 2008, lo menos que podrían haber hecho es reflejarla en sus números. Pero no: el Indec dio un 7,2%, los macristas hablan de una inflación real “muy por arriba del 20%”, y el presupuesto para el CTBA se aumenta en un 4 ó 5%. Y a no quejarse, que le va mejor que al presupuesto de salud sexual y reproductiva, recortado a la mitad según denunció la legisladora Diana Maffía. ¿Será quizás que para salvar las falencias en materia de prevención que se originarán en ese recorte se ha obligado a que haya máquinas de preservativos en los baños de los teatros independientes? No, es claro que no… ¡pero ya cualquier cosa parece verosímil!
Mientras subía las escaleras y dejaba atrás el bullicioso ágape que comenzaba, pensaba que, en realidad, no tenía yo motivo alguno para esperar algo más de una conferencia de prensa en la que habla un ingeniero que ejerce como un ministro de Cultura y un contador que ya es vitalicio director general y artístico del Complejo Teatral de Buenos Aires.

Temporada 2009
(Segmento aburrido destinado a disparar pensamientos como “¡Otra vez sopa!”, “Entonces, a Alejandro Awada le toca los años impares”, “Y yo que creía que no había elenco estable…”, “Lo de Alicia Zanca, todo bien con ella, pero ya es beca” y similares.)

Teatro San Martín

> Marat-Sade, de Peter Weiss. Dirección: Villanueva Cosse. Con Alberto Segado, Malena Solda, Agustín Rittano, Pablo Navarro, Muriel Santa Ana, Luis Herrera, Edward Nutkiewicz, Iván Moschner, Luis Longhi, Verónica Cosse, David Di Napoli y elenco. Escenografía: Tito Egurza. Iluminación: Tito Egurza, Miguel Morales. Vestuario: Daniela Taiana. Música y entrenamiento vocal: Carmen Baliero. Entrenamiento físico: Diego Starosta. Estreno: segunda quincena de abril, en la sala Martín Coronado.
> La sombra de Federico, de Eduardo Rovner y César Oliva. Dirección: Adelaida Mangani y Hugo Urquijo. Con Rodolfo Bebán, Graciela Dufau, Luis Campos, José María López, Aldo Barbero, Ricardo Díaz Mourelle, Néstor Caniglia, Carlos Bermejo, Gabriel Fernández, César Vianco, Sebastián Richard y Graciela Muñiz. Escenografía e iluminación: Héctor Calmet. Vestuario, diseño de títeres y de objetos: Mayde Arigós. Realización de títeres y de objetos: Marta Raggi, Ivo Siffredi. Estreno: primera quincena de mayo, en la sala Casacuberta.
> Paisaje después de la batalla, de Ariel Barchilón. Dirección: Mónica Viñao. Con Daniel Fanego, Analía Couceyro, Silvia Dietrich, Néstor Sánchez, Jorge Rod, Juan Bianco y Miguel Israelevich. Escenografía: Gabriel Caputo. Vestuario: Luciana Gutman. Iluminación: Miguel Soloweg. Estreno: primera quincena de abril, en la sala Cunill Cabanellas.
> Mucho ruido y pocas nueces, de William Shakespeare. Traducción: Cristina Piña. Dirección: Oscar Barney Finn. Estreno: segunda quincena de agosto, en la sala Martín Coronado.
> Medea, de Eurípides. Versión: Cristina Banegas y Lucila Pagliai. Dirección: Pompeyo Audivert. Con: Cristina Banegas. Escenografía y vestuario: Juan José Cambre. Música: Carmen Baliero. Estreno: segunda quincena de agosto, en la sala Casacuberta.
> Ha muerto Dios. Texto y dirección: Mario Segade. Con: Laura Novoa y Gabo Correa. Estreno: segunda quincena de junio, en la sala Cunill Cabanellas.
> Krapp, o La última cinta magnética, de Samuel Becket. Dirección: Juan Carlos Gené. Con Walter Santa Ana. Estreno: mediados de septiembre, en la sala Cunill Cabanellas.
> Yo en el futuro, espectáculo creado y dirigido por Federico León, con la colaboración de Marianella Portillo, Julián Tello, Jimena Anganuzzi y Esteban Lamothe. Escenografía: Ariel Vaccaro. Iluminación: Guillermo Nieto. Música: Carmen Baliero. Asistencia técnica y cámaras: Julián Tello. Técnico de video: Alejandro Soler. Estreno: segunda quincena de agosto, en la sala Leopoldo Lugones

Teatro Presidente Alvear

> El tábano, de Bernardo Carey. Dirección: José María Paolantonio. Con Alejandro Awada, Ana Yovino, Cutuli, Manuel Vicente, Emiliano Dionisi, Carlos Da Silva, Mónica D’Agostino, Nanim Timoyko, Pablo Razuk, Pablo Alvarenga, Pedro Ferraro, Nelson Rueda, Mariano Fernández y elenco. Escenografía y dirección de arte: Héctor Calmet. Vestuario: Nené Murúa. Iluminación: Tito Diz. Coreografía: Mecha Fernández. Música: Luis María Serra. Arte multimedia: Sebastián Irigo. Coordinación multimedia: Walter Peña. Estreno: segunda quincena de abril.
> Ultramarina, de Edgardo Cozarinsky. Dirección: Marcelo Lombardero. Música: Pablo Mainetti. Estreno: segunda quincena de agosto.

Teatro Regio

> El reñidero, de Sergio De Cecco. Dirección: Eva Halac. Con Antonio Grimau, Joaquín Furriel, Julieta Vallina, Marita Ballesteros, Guillermo Arengo, Miguel Ángel Martínez, Pepe Mariani, María Urdapilleta, Mauricio Minetti, Monina Bonelli, Claudio Rodrigo y Andrés Bailot. Escenografía: Micaela Sleigh. Vestuario: Constanza Balduzzi. Iluminación: Leo Pérez. Música: Mariano Fernández. Estreno: segunda quincena de abril.
> La cocina, de Arnold Wesker. Dirección: Alicia Zanca. Estreno: mediados de julio.

Teatro de la Ribera

> Durante marzo y abril se presentarán obras del repertorio del grupo Catalinas Sur, celebrando su 25º aniversario. Desde el 7 de marzo, los fines de semana se ofrecerán funciones de La niña de la noche –espectáculo de títeres– y uno de los clásicos de la compañía, Venimos de muy lejos. También serán parte de esta celebración otros grupos y artistas invitados.
> Un hombre es un hombre, de Bertolt Brecht, por La Banda de la Risa. Adaptación y puesta en escena: Claudio Gallardou. Dirección de actores: Cristina Moreira. Música: Paul Dessau. Con Claudio Gallardou, Cristina Fridman, César Bordon, Mariano Engel y Gustavo Ferreira. Escenografía: Marcelo Valiente. Vestuario: Renata Schussheim. Iluminación: Jorge Merzari. Arreglos musicales: Federico Mizrahi. Producción: Cristina Fridman. Estreno: segunda quincena de mayo.

Teatro Sarmiento

> Mi vida futura. Texto y dirección: Lola Arias. Con Carla Crespo, Blas Arrese, Vanina Falco, Mariano Speratti, Pablo Lugones y Liza Casullo. Escenografía: Ariel Vaccaro. Iluminación: Gonzalo Córdova. Música: Ulises Conti. Coreografía: Luciana Acuña. Video y multimedia: Rodrigo Moreno. Estreno: segunda quincena de marzo.
> Coquetos carnavales, con texto y dirección de Luis Cano. Estreno: segunda quincena de julio.

Una joya en la información de prensa
El 14 de noviembre Mauricio Wainrot, director artístico del Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, recibió del Rey de Bélgica, Alberto II, una Distinción Honorífica. Se trata de una condecoración civil de Chevalier de l’Ordre de Léopold (Caballero de la Orden de Leopoldo), que fue entregada por el Embajador de Bélgica en Argentina, Koenraad Rouvroy, en reconocimiento a su trayectoria en el mundo del ballet y, más particularmente, a su destacada participación como coreógrafo y creador de numerosas obras ante el Royal Ballet of Flanders y el Ballet Royal de Wallonie.”
¿Habrá que decirle “caballero” a partir de ahora?

// Teatro Cervantes: balance 2008 y programación 2009

La dirección del Teatro Nacional Cervantes presentó, en una conferencia de prensa amistosa y distendida que se realizó el pasado 11 de diciembre, su balance sobre lo actuado en 2008 y sus proyectos para 2009.
De todo lo brindado en el informe –mucho más extenso que lo aquí reproducido– es de gran importancia la evaluación que hace la dirección de ese organismo, por lo que aquí va a continuación ese texto, al que le sigue la programación prevista hasta el momento para el año en curso.

A modo de balance

Al acercarse el fin del año, es habitual mirar hacia atrás, hacia enero pasado, revisar el camino recorrido y hacer un balance de lo realizado y también de lo que necesitamos mejorar para avanzar menos trabajosamente. Poner en una columna los logros y en otra las falencias o los temas que aun esperan solución. Lo que tenemos y lo que debemos.
Antes de hacer el balance de 2008, algunas reflexiones sobre la situación inicial. Cuando comenzamos nuestra labor al frente del Teatro Nacional Cervantes en agosto de 2007, el Teatro sufría aún un larguísimo conflicto que lo mantuvo paralizado durante casi dos años (desde octubre de 2005, con un breve período de funcionamiento que permitió realizar unas pocas funciones) y la comunidad teatral y cultural del país expresaba su preocupación por el destino de la institución. El importante esfuerzo realizado por la Secretaría de Cultura, los demás organismos del Estado Nacional más la Dirección y los trabajadores del Teatro, nos permitió reabrir la sala el 21 de septiembre de 2007 –con una programación de emergencia– e iniciar el 2008 con un importante aumento de presupuesto.
No faltaron problemas a lo largo de 2008, pero la voluntad de todas las partes hicieron que fuéramos resolviéndolos. Algunos espectáculos tuvieron éxito de crítica y público, otros no tanto; en algunos casos sufrieron atrasos y no siempre pudimos ofrecer a los artistas que intervinieron las mejores condiciones de trabajo como sería la obligación del único Teatro Nacional de la Argentina. En otros casos todo funcionó óptimamente.
Trabajamos mucho, tomamos nota de los problemas, buscamos soluciones y nos impusimos tareas para este año; y hoy podemos mostrar este balance, que como Dirección del Teatro, nos sentimos orgullosos de hacer público, porque nos place comprobar que en el año 2008 las actividades del Teatro Nacional Cervantes totalizaron 676 funciones y eventos de extensión que propiciaron y albergaron el trabajo de 1.442 artistas y fueron vistos por 112.914 espectadores (86.180 en las salas de nuestra sede histórica y 26.734 en provincias argentinas).
Todo esto fue posible porque todos los trabajadores del Teatro hicieron su aporte de conocimientos, voluntad y tolerancia. Se pusieron la camiseta y la traspiraron. A todos ellos nuestro agradecimiento.
Además, la crítica y las organizaciones teatrales nos han alentado otorgando a obras de nuestra programación del año y a los artistas que en ellas trabajaron 16 premios, que se repartieron entre siete espectáculos.
Se incorporaron a la programación los Eventos o Festivales que este año se refirieron a Circo y payasos, Teatro x la identidad y Teatro del país, que pretenden llamar la atención y destacar determinados modos de creación del teatro argentino, y también los conciertos de música de cámara (los primeros miércoles de cada mes) que siempre colmaron la capacidad de la sala donde se realizan; mantuvimos con la Dirección Nacional de Música y Danza de la Secretaría de Cultura de la Nación la programación de sus cuerpos estables y celebramos convenios con Canal 7 y la Policía Federal para la presentación de sus Orquestas Sinfónicas, y con el IUNA y el INT para varias actividades conjuntas.
Colaboramos con escuelas y organizaciones que nuclean a públicos de bajos recursos económicos con paquetes de entradas gratuitas.
Y aumentamos la importancia de una mirada federal para el TNC porque estamos convencidos de que es deber de un Teatro Nacional llegar con su actividad a todo el país, así como traer a sus escenarios los espectáculos destacados de las provincias argentinas. Creamos así un programa completo que damos en llamar Cervantes Federal, en convenio con las provincias, donde mantuvimos el Plan Federal de Coproducciones, creado en 2006, que siempre nos pareció excelente, a lo que agregamos el Plan Federal de Giras y el ciclo Teatro del País en nuestra sala. Todas estas actividades continuarán en 2009.
Por último, deseamos mantener una línea para la programación propia que se limite a obras de autores argentinos, latinoamericanos y españoles, y que refleje además la variedad y riqueza de modos de creación y producción del teatro argentino.
Cuando iniciamos este año nos planteamos un objetivo: hacer que el Teatro Cervantes estuviera nuevamente presente en la vida cultural y fundamentalmente teatral del país. Continuaremos en ese camino, pero para este año nos proponemos otro objetivo prioritario: crear los procedimientos, reglamentaciones y herramientas que nos permitan organizar más eficazmente la vida interna del Teatro y mejorar las condiciones y medio ambiente de trabajo de su personal.
Claudio Gallardou, subdirector
Rubens W. Correa, director

Anticipos temporada 2009

Sala María Guerrero
Febrero
Don Juan de acá (el primer vivo), de Los Macocos y Eduardo Fabregat. Dirección: Julián Howard. Reestreno: viernes 6 de febrero.

Abril
Tango turco (ex La gira), de Rafael Bruza. Dirección: Lorenzo Quinteros.
La trup sin fin, de Hugo Midón. Espectáculo para niños. Música: Carlos Gianni. Coreografía: Carlos Trunsky. Dirección: Hugo Midón. (Reposición.)

Agosto
Bodas de sangre, de Federico García Lorca. Dirección: Villanueva Cosse.
Seraenbanda, espectáculo musical para niños de Los Musiqueros.


Sala Orestes Caviglia
Febrero
Chúmbale, de Oscar Viale. Dirección: Santiago Doria. Reestreno: viernes 13 de febrero.

Abril
Telémaco o el padre ausente, de Marco Antonio De La Parra. Dirección: Dora Milea.

Julio
Un informe sobre la banalidad del amor, de Mario Diament. Dirección: Manuel Iedvabni.

Octubre
Transatlántico, versión teatral de Adrián Blanco y Hugo Dezillio de la novela de Witold Gombrowicz. Dirección: Adrián Blanco.

Fecha a confirmar
Manifonías (para actores y títeres), de Sandra Antman, Néstor Caniglia, Mariano Cossa y Mario Marino. Espectáculo para niños. Dirección: N. Caniglia.


Sala Luisa Vehil
Programación en preparación basada en unipersonales y obras de pequeño formato.

// Fiesta CABA 2008: no mezclemos

Ayer, domingo, 11 de enero de 2009, a las 17:27, alguien que no ha dado su nombre dejó el siguiente comentario en la entrada anterior: “que importa la honorabilidad, lo importante era conformar a vanesa weinberg y enrique federman, ahora todos contentos”. Por tratar el tema de la honorabilidad, seguramente está continuando lo aportado por Berta Goldenberg en el primer comentario.
Ese comentario anónimo aparecerá publicado inmediatamente después de haber subido este texto que estás leyendo, pues me parece que es inevitable (por eso lo autorizaré) y riesgoso (por eso lo comento antes). Inevitable porque muchas de las personas que han conocido los fuertes reclamos que le hicieron llegar tanto Vanesa Weinberg como Enrique Federman a Pablo Bontá a raíz de las irregularidades en las que se incurrió en torno a la primera selección de la Fiesta CABA 2008, sin dudas asociarán a ambos reclamantes con su aparición como directores de sendas obras que, no habiendo sido seleccionadas en la primera vuelta, sí lo han sido en esta segunda. Riesgoso porque si alguien interpreta esas palabras como una acusación, la sospecha recaería absurdamente sobre Weinberg y Federman, desplazándose así el nudo de este conflicto hacia personas que en nada tuvieron que ver con las imperdonables desprolijidades que este proceso viene ostentando.
Hace muchos años escuché a un teólogo católico decir que no se tenía certeza de la existencia del demonio, pero agregó lo siguiente: “Una mañana, un tipo pasa por debajo de una ventana y se le cae una maceta en la cabeza. ‘¡Qué barbaridad!’, piensa, y sigue su camino. Al día siguiente, el mismo tipo pasa por debajo de la misma ventana y se le cae otra maceta en la cabeza. ‘¡Qué casualidad!’, piensa en esta ocasión, y sigue su camino. Al tercer día, ese mismo tipo pasa por debajo de esa misma ventana y se le cae una tercera maceta en la cabeza. El tipo levanta la mirada hacia la ventana y exclama: ‘¡Ahí hay alguien que me quiere cagar la vida!’. De la misma manera, no tenemos pruebas de la existencia del demonio, pero no hay dudas de que alguien quiere cagarnos la vida”. Mutatis mutandis, es indiscutible que aquí hay alguien que está jodiendo soberanamente la vida del teatro alternativo porteño. Aquí no hay ventanas de las que caen macetas, pero lo que sí hay es que un día se manosearon los resultados de una selección dando a conocer los ganadores antes de haber visto todo el material, y otro día se anuló la selección castigando así a quienes habían sido seleccionados y mezclándolos en la sospecha de haber sido elegidos incorrectamente, y otro día se hizo la nueva selección y se eligen a otros, y entre los otros elegidos están los que más duramente se quejaron, lo que abre la sospecha de que se quejaron por no haber sido elegidos, cuando en realidad se quejaron de cómo se hizo la primera selección. Al igual que la selección realizada el lunes 27 de octubre de 2008 (esa cuyos resultados se conocían desde antes), este nuevo mal paso dado en el proceso que debe desembocar en la Fiesta CABA 2008 exige mucho cuidado en cómo se lo cuestiona para no hacer una mezcolanza en la que el hecho de haber sido elegido termine significando cargar con las culpas que, a todas luces, recaen sobre otras personas.

// Obras seleccionadas para la Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires 2008

Pablo Bontá, quien sigue siendo el representante de la Región Centro del Instituto Nacional del Teatro como si nada hubiera pasado y como si en nada hubiera tenido que ver con el bochornoso manejo que tuvo la primera selección para esta misma Fiesta (si no sabés de qué se trata, leé esta nota), el mismísimo Bontá informó esta tarde vía e-mail la nómina de obras seleccionadas para participar de la postergada, anómala y manoseada Fiesta del Teatro de la Ciudad de Buenos Aires correspondiente al año pasado, que tendrá lugar del 18 al 22 de febrero próximos.
El jurado, formado por Ana María Casó, Pedro Espinosa y Víctor Bruno, seleccionó las doce siguientes obras (citadas con sus directores o directoras):
- La noche canta sus canciones (Daniel Veronese);
- Quién no es salvaje (Mabel Dai Chee Chang);
- Sos vos (Enrique Federman);
- La conspiración de los objetos (Diego Cazabat);
- Lote 77 (Marcelo Minino);
- Apenas el fin del mundo (Cristian Drut);
- Ivanov (Piero Anselmi);
- Stéfano (Guillermo Cacace);
- Tercer cuerpo (Claudio Tolcachir);
- Fin de partida (Lorenzo Quinteros y Pompeyo Audivert);
- La maña (Vanesa Weimberg).
- Juanito... a la orilla (Celeste López).
Las siguientes son las suplentes, estas sí en orden de mérito:
1) Los sensuales (Alejandro Tantanian);
2) Escrito en el barro (Andrés Bazzalo);
3) El reino de las imágenes nítidas (Diego Cosin);
4) Body Art (Miguel Israilevich);
5) Aguas (Marcelo Katz);
6) Adela está cazando patos (Maruja Bustamante).
El acta confeccionada con ocasión de esta selección parecer ser también un documento secreto –como la de la selección anterior– pese a ser tan esclarecedor. Habré de pedirla nuevamente: con tal acta podremos saber con certeza qué obras se presentaron y cuáles fueron las que, habiendo sido seleccionadas en la primera vuelta, fueron castigadas al eliminárselas en la segunda. Porque ya lo habíamos dicho desde el primer momento: el castigo recaerá sobre las obras que, habiendo sido elegidas, queden fuera en la segunda selección. A simple vista, podríamos decir que la vergüenza se ha consumado. Pero vamos a decirlo con plena certeza cuando tengamos el acta ante nuestros ojos.
Esperemos que el no haberla dado a conocer no responda a que todavía no fue confeccionada, como ocurrió en la anterior ocasión.